音樂欣賞常識 - 超豐富 !

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什麼是 R&B？

R&B的全名是 Rhythm & Blues，一般譯作“節奏怨曲”或“節奏布魯斯”。 廣義上， R&B可視為“黑人的流行音樂”，它源於黑人的 Blues音樂，是現今西行流行樂和搖滾樂的基礎， Billboard雜誌曾介定R&B為，所有黑人音樂除了 Jazz和 Blues之外，都可列作 R&B，可見 R&B的範圍是多麼的廣泛。 近年黑人音樂圈大為盛行的 Hip Hop和 Rap都源於 R&B，並且同時保存著不少 R&B成分。

什麼是HOUSE？

HOUSE是於八十年代沿自 DISCO發展出來的跳舞音樂。 這是芝加哥的DJ玩出的音樂， 他們將德國電子樂團Kraftwerk的一張唱片和電子鼓(Drum Machine)規律的節奏 及黑人藍調歌聲混音在一,House就產生啦~一般翻譯為"浩室"舞曲,為電子舞曲最基本的型式,4/4拍的節奏, 一拍一個鼓聲,配上簡單的旋律,常有高亢的女聲歌唱. DISCO流行後，一些DJ將它改變，有心將DISCO變得較為不商業化， BASS和鼓變得更深沈，很多時變成了純音樂作品，即使有歌唱部分也多數是由跳舞女歌手唱的簡短句子，往往沒有明確歌詞。漸漸的，有人加入了LATIN(拉丁)、 REGGAE(瑞格源在西印度群島)、 RAP(說唱)或 JAZZ(爵士)等元素，至八十年代後期， HOUSE沖出地下範圍，成為芝加哥、紐約及倫敦流行榜的寵兒。

為什麼會叫"House"呢?就是說只要你有簡單的錄音設備,在家裏都做得出這種音樂~House也是電子樂中 最容易被大家所接受的.

Cher唱的Believe 就是個好例子.而M-People可說是House代表團體.House舞曲在1986年開始流行後,可說是取代了Disco音樂.

House可分為：

Acid House 也就是融合了TB-303的Acid聲的House樂
Deep House 有著相當濃厚的靈魂唱腔,又叫作Garage,蠻流行化的. 像Real Mecoy, M-People, La Bouche都是Garage團體.

Hard House 簡單來說,就是節奏較重,較猛的House.

Progressive House 這類House沒啥靈魂唱腔,反而比較注重旋律和樂曲編排.有一 點像"演奏類"的House樂. 像SASH!的專輯It''s My Life便是很好的Progressive House專輯.

Epic House 就是"史詩"House. Epic House有著優美,流暢的旋律和磅礴的氣勢, 很少會有vocal在裏面(幾乎是沒有!). BT的音樂就是很棒的Epic House,而他也被稱作"Epic House天皇". 其實連Rock也有"Epic Rock"

Trible House 想像一下:帶有非洲原始風貌或是印地安人的鼓奏的House是啥樣? 這就是Trible House~ 這種House除了有一般House穩定的節奏外,在每拍之間,會加入一些帶有原始風貌,零碎的鼓點. 蠻有趣的~ 不過,House的範圍太廣了,大家也不用硬要把一首曲子分類.這些只是告訴大家,House很多種"而已。

到了九十年代， HOUSE已減少了那前衛、潮流色彩，但仍是很受歡迎的音樂。

什麼是Britpop？

Britpop雖有個“ Pop"字，但其實是 Rock的一種，源於九十年代英倫，中文可譯為“英式搖滾”，這是英倫樂壇對美國 Grunge潮的一個回應，主要是以樂隊形式出現。不過， Britpop風格其實十分廣泛，如 Oasis是結他搖滾樂隊， Blur則 Pop很多，而Pulp則接近 Glam Rook及跳舞風格，不過他們都被列作 Britpop。

英國 Britpop代表人物： Oasis 、Blur 、Suede 、Pulp 、Radiohead

什麼是 Trip-Hop？

Trip-Hop是英倫/歐洲跳舞音樂的一種，它的名字來源是“ Trip＋ Hip-Hop＝ Trip-Hop”，因為它發源自英國的Bristol，因此最早時稱作“Bristol Hip-Hop”。由於把把Hip-Hop（其實很多音樂都是架構在Hip-Hop上的……不知啥是Hip-Hop的去看看跳街舞的人， 他們多半是用Hip-Hop音樂來跳的。）節奏變慢（有時很慢很慢）加入一些迷幻的味道，如很陰沉，肥厚的Bass，輕微但迷幻的合成音效，或是些唱片的取樣，有時可能連唱片的雜音都會被“故意”取樣進去。所謂“ Trip”，指迷幻，氤氳的藥物【旅程】，所以， Trip-Hop是種慢板的迷幻的、有 Jazz感覺的、迷糊的、帶點 Hip-Hop節奏的 Break beat音樂。它雖然隸屬跳舞音樂類，但其迷幻迷糊特色已令它跳一般跳舞音樂所有的明確節拍特色相去很遠。

外國 Trip-Hop代表人物： Trip-Hop中公認的鐵三角ortishead、 Tricky、 Massive Attack 、Mandalay Moloko 、Coldcut

什麼是 Gangsta Rap？

Gangsta Rap是 Rap的一種，以 Rap的內容多與都市罪案有關，充滿暴力、色欲感受，這是反映現實的一種音樂路向。 Gangsta Rap於八十年代末期在美國興起，音樂Rap中的強悍尖銳派，在美國大受歡迎，唱片銷路甚高。而不少 Gangsta Rap樂手本身真正“參與”現實中各式罪案，部分更因而入獄甚至死亡，可說是真正反映現實兼令人觸目驚心的樂種。

Gangsta Rap化表組合： Ice-T、 Ice Cube、 Dr. Dre、 Snoop Doggy Dogg、 2 Pac、Geto Boys

什麼是 Synth Pop？

Synth Pop中的“ Synth”，即 Synthesizer，顧名思義， Synth Pop就是“由 Sythesizrs炮製出來的流行樂”，當然除 Synthesizers外還會用上其他電子樂器如電腦及鼓機等等。 Synth Pop於八十年代初期開始流行，至八十年代中開始沉寂，當年在香港也曾掀起過一陣熱潮。Synth Pop的特點是科技感強，有時會頗冰冷，歌曲多是“三分鐘流行曲”（3-minutes Pop），很多時 Synth Pop樂手會作入時打扮。

Synth Pop代表組合： Depeche Mode、 Human League、 Duran Duran、 OMD、 Gary Numan

什麼是 ORCHESTRA ？

ORCHESTRA就是管弦樂團，它分成四部分： 1弦樂，包括小提琴、大提琴等， 2銅管樂 3木管樂和 4敲擊樂四組。弦樂組每種樂器有多人演奏（豎琴除外），四組演奏者由一人統籌兼領導，他就是樂團的指揮。ORCHESTRA於17世紀出現，到18世紀因海頓和莫札特的作品而清楚地建立模式。19世紀加入了些新樂器，樂團人數加大。 ORCHESTRA是西方古典/正統音樂的正宗。西方流行/搖滾樂也經常運用 ORCHESTRA的部分或全部團員協助演出。

什麼是 CHAMBER POP？

CHAMBER POP是指典雅、高貴、精緻的一種流行樂，它有一定的古典音樂感覺。 CHAMBER MUSIC一詞來自古典音樂，中文叫“室內樂”，是種小組弦樂演奏曲式，氣氛高雅。CHAMBER POP於九十年代興起，是對當時的 LO-FI及 GRUNGE的一種反應，強調優美的旋律、精緻的配樂、乾淨的錄音，每每多用弦樂、管樂製造巴羅克時代的音樂感覺。

外國代表樂隊有 THE DIVINE COMEDY， RIALTO， ERIC MATTHEWS及 BALLE & SEBASTIAN等，香港則有黃耀明、部分的彭羚、部分的 MULTIPLEX等等。

什麼是民歌（ FOLK）？

民歌（ FOLK） 原本是指每個民族的傳統歌曲，每個民族的先民都有他們自原始/古代已有的歌曲，這些歌絕大部分都不知道誰是作者，而以口頭傳播，一傳十十傳百，一代傳一代的傳下去至今。不過今天我們所說的民歌（ FOLK），大都是指流行曲年代的民歌（ FOLK），所指的是主要以木結他為伴奏樂器，以自然坦率方式歌唱，唱出大家純樸生活感受的那種歌曲。美國民歌手 WOODY GUTHRIE在五十年代的唱片可說是最早的民歌唱片錄音，所以普遍被認定是現代民歌（ FOLK）的祖師。之後 PETE SEEGER、 THE WEAVERS繼續推動這類音樂，六十年代越戰，反戰民歌手如 BOB DYLAN、JOAN BAEZ、PETER、PAUL AND MARY等成為時代的呼聲。後民歌向 POP、ROCK及都市化發展， BOB DYLAN發明了 FOLKROCK、 SIMON & GARFUNKEL發展出中產口味的都市 FOLK POP，風行一時。八十年代 SUZANNE VEGA、TRACYCHAPMAN等走出一種更富現在都市感覺的 URBAN FOLK（城市）/ CONTEMPORARY（當代） FOLK路線。民歌 （FOLK）在英國、香港等樂壇也發展出不同的面貌。民歌（FOLK）近年較新的發展是與 NEW AGE結合（如 ENYA），及與 TRIP HOP結合）如 BETH ORTON）。

什麼是 BOSSA NOVA ？

BOSSA NOVA是種帶 JAZZ味道的巴西音樂， 1950年代作曲家 ANTONIO CARLOS JOBIM將巴西音樂節奏與美國西岸 COOL JAZZ混合而成，柔和、舒服、輕鬆、懶洋洋、浪漫乃特色。每兩個 BAR的第1、4、7、11、14拍為重拍。歌手 JOAO GILBERTO的純厚歌聲是 JOBIM音樂的出色拍檔， 50年代中期傳入美國後大受歡迎，其他著名 BOSSA NOVA樂手有 CHARLIE BYRD,STAN GETZ和 ASTRUD GILBERTO等，最著名的歌曲為“THE GIRLFROM IPANEMA”。 OSSA NOVA於60年代最流行，其餘年代亦不斷有捧場者。

什麼是 CLASSICAL POP ？

CLASSICAL POP是指帶古典響樂味道的流行曲，多用弦樂伴奏的歌曲都可列入此類，例如 THE BEATLES的“ELEANORRIGBY”就是。澳洲樂隊 CROWDED HOUSE的一些作品也可列入此類。如果說 CLASSIC POP，則是指經典的流行曲。

什麼是ACAPPELLA ？

ACAPPELLA是指沒有樂器伴奏的歌曲，但凡純以人聲唱的歌都是 ACAPPELLA，不過今天我們說 ACAPPELLA通常是指有多重和唱的那種唱法，連樂器伴奏都由人聲唱出。 ACAPPELLA的相反是 INSTRUMENTAL，即純音樂樂曲，任何類型的歌曲都可以以 ACAPPELLA形式唱出。香港人最熟悉的 ACAPPELLA歌曲是“SO MUCH IN LOVE”，香港 ACAPPELLA樂隊有姬聲雅士等。

什麼是 WORLD MUSIC？

WORLD MUSIC是西方角度觀點的辭彙，意思指非英、美及西方民歌/流行曲的音樂，通常指發展中地區或落後地區的傳統音樂，例如非洲及南亞洲地區的音樂，有些地區如拉丁美洲的音樂，則能普及到自成一種類型。今天大家說的 WORLD MUSIC通常是指與西方音樂混和了風格的、改良了的傳統地區音樂。非洲的 KING SUNNY ADE，東歐的DON BYRON，中國的朱哲琴，巴基斯坦的 NUSRAT FATEHALI KAHN等是西方樂迷較熟悉的 WORLD MUSIC樂手。

什麼是 DREAM-POP？

DREAM-POP是種“夢”般的流行曲，它有一種迷離的氣氛，多靠SYNTHESIZERS（電子合成器）造成，加了ECHO效果的電結他也是重要的成分，歌唱部分往往很 “BREATHY”即呼吸聲重，歌詞也往往有夢般的詩意色彩。

代表樂隊有 COCTEAU WINS、 LISA GERMANO、 ST. ETIENNE、 THIS MORTAL COIL、 MY BLOODY VALENTINE、 MAZZY STAR和 DEAD CAN DANCE等。
中文歌手以王菲為首，代表作有 “迷路”、“DI-DA”等。

什麼是 NEW AGE？

NEW AGE是種寧靜、安逸、閑息的音樂，純音樂作品占的比重較多，有歌唱的占較少。 NEW AGE可以是純 ACOUSTIC（即以傳統自發聲樂器演奏）的，也可以是很電子化的，重點是營造出大自然平靜的氣氛或宇宙浩瀚的感覺，洗滌聽者的心靈，令人心平氣和。 NEW AGE很多時與音樂治療有關，不少NEW AGE音樂說可以治病，也有不少與打坐冥想有關，這與 NEW AGE思潮哲學有莫大關係。 NEW AGE音樂通常被目為頗為中產階級的音樂， WINDHAM HILL是最具代表性的 NEW AGE唱片公司， NEW AGE代表樂手有 ENYA， GEORGE WINSTON， WILLIAM ACKERMAN， YANNI， KITARO等等。

什麼是Electrophonic Music？

何謂Electrophonic Music（電子音樂）？隨著時代的演進，音樂家有了更多製作音樂的方法。所謂電子音樂，就是以電子合成器，音樂軟體，電腦等所產生的電子聲響來製作音樂。電子音樂範圍廣泛，生活周遭常常能聽到，在電影配樂，廣告配樂，甚至某些國語流行歌中都有用到，不過以電子舞曲為最。很多人認為電子樂是一種冷冰冰，沒有感情的音樂。其實電子樂也可融入Rock、 Jazz甚至Blues等多種元素而充滿情感的。

電子音樂的類型也是多種多樣的，包括House 、Techno、Ambient、Trance、Psychedelic Trance、 Breakbeat、 Brit-Hop、 Big-Beat、 Trip-Hop、Drum''n''Bass、 Jungle、Electro、Dub、Chill Out、 Minimalism。

什麼是Techno ？

Technology， 即表示“高科技舞曲”啦！利用電腦，合成器合成，做出一些特殊音效，這種音樂常常是許多音效組合起來的。 Techno的節拍也是4/4拍,但速度較House快，且聽起來具重複性，較強硬，較機械化，所以某些人稱Techno為“工業噪音”，但某些還是會注重旋律的。 Techno起源於美國底特律，有三名DJ： Derrick May，Kevin Saunderson Juan Atkins嘗試將電子樂與黑人音樂結合，而產生了Detroit Techno。 Detroit Techno通常較平緩， 不像一般的Techno那樣強勁，可說是現代Techno的起源。

什麼是Ambient ？

聽起來起伏不大，但其實一直在做改變，像是長時間的音效， 或是漸進式的音樂編排等等，常會營造出有層次的空間感，所以被稱為“情境音樂”， 且常對於生活周遭的聲音做取樣，如人聲、汽車聲，甚至是其他音樂的旋律……等等。為70年代的Brian Eno所創，是一種很“高深”的電子音樂。後來Ambient也有分支，如Ambient House、 Ambient Techno……等等。相信大家從字面上就能瞭解，其實在很多種音樂中都會有Ambient的影子，甚至某些古典樂中 也有Ambient的味道。

什麼是Trance？

迷幻舞曲，由Techno演變而來，聽了會讓你有“出神”的感覺，但還是保有舞曲的律動，很注重Bass的表現，某些聽了會有“催眠”的效果。拍子也是以4/4拍為主。不過我也有聽過用Breakbeat的（下面會介紹）， 如Sven Vath的專輯Fusion。

什麼是Psychedelic Trance？

又名Goa Trance，發源於印度的一個小島上。Goa即為這小島的名字。旋律常帶有印度風味。這類Trance的特徵，就是很重視旋律，音符之間的細微變化，且常有重疊的旋律，和高亢的TB-303聲音出現。有點Ambient的味道。

什麼是Break beat？

不像House的拍子Boom-Boom-Boom-Boom那麼規律，而是以破碎的節拍呈現，像是切分拍。如在兩拍中加入小碎鼓，等等，Breakbeat只是一個總稱而已，有很多種音樂都屬Breakbeat，如以下的Brit-Hop、Big-Beat、和黑人的Hip-Hop便是一種。

什麼是Brit-Hop？

把黑人Hip-Hop的節奏加快鼓聲加重，配合些許電吉他、Bass，有搖滾樂的味道， 如The Chemical Brothers的曲風即是。

什麼是Big-Beat？

“大節拍”，把Brit-Hop變得更快，節奏更重，更有搖滾的味道，可說是將Brit-Hop改良後， 更成熟的一種曲風，你可以想像一下又重又碎，又有點快的節拍是什麼樣子。如The Prodigy、The Chemical Brothers、 Fat Boy Slim即是Big Beat的“大角”。

什麼是Drum N'' Bass？

對某些人來說，Drum N'' Bass的音樂可能很煩，因為Drum N'' Bass很注重在節奏上玩花樣，還有Bass的表現， 像是很快很快，複雜的碎拍，以及運用各種不同的電子鼓，或是取樣而來的鼓聲。因此Drum N'' Bass也是Breakbeat的一種。4Hero為Drum N'' Bass的知名樂團。

什麼是Jungle？

Jungle就是Drum N'' Bass的前身。Jungle的速度比Drum N'' Bass快很多，而且節拍更為複雜，比較強悍，有時會搭配一些Rap，不像Drum N'' Bass會融合一些Jazz、Soul等元素，聽起來比較柔（當然這是和Jungle比起來）。連“搖滾變色龍” David Bowie現在都搞起Jungle了

什麼是Electro？

早在70年代末，80年代初，那時還沒有House、Techno……這類玩意兒，電子音樂也較不盛行，只有Electro這類電子音樂而已。 Electro可說是純粹以電子合成器（Synthesizer，長得有點像Keyboard）來發聲的音樂，通常蠻輕柔的，且常使用Roland公司的鼓機（Drum Machine）TR-808來發鼓聲。德國的Kraftwerk樂團可算是代表。 現在的Electro音色比以前明亮，透明許多。後來一些DJ利用Electro變形成了一種Hip-Hop樂，被稱作Old School。現在的Fatboy Slim（流線胖小子）也融合了一些Electro和Old School在音樂中。

什麼是Dub？

Dub可說是將歌聲抽離只剩下音樂的Reggae（瑞格，也有稱之為雷鬼，一種很有節拍性，唱腔特別的南美黑人音樂）。而將Dub運用在電子樂上，則是將部份歌聲抽離，將Bass和鼓聲加重，並且加入大量的Echo（回音）等效果。這種技術常在現場表演時，將歌曲重新混音（Remix）呈現。像Massive Attack 的專輯Protection便由Mad Professor從Trip-Hop音樂混音成了Dub版本。

什麼是Chill Out？

這只是一種統稱而已。在舞池旁邊，常會有一個區域，或是小房間，裏頭會放一些較緩和，較平靜的音樂，讓舞客跳完舞後緩和情緒，休息一下，以放Ambient音樂為主，所以會叫“Chill Out”（冷卻）就是這個緣故。The Orb可說是Chill Out音樂大師。

什麼是Minimalism？

這被翻譯成“極小派樂風”，在Ambient和Techno的音樂中常聽的到。帶有Minimalism的曲子有著重複性的旋律，還有一種特別的律動，感覺上像一種特別的頻率一樣讓你聽了會有被催眠的感覺。Jeff Mills的作品就屬於Minimal Detroit-Techno，帶有相當的迷幻色彩

Black Metal 黑色金屬
以邪惡、異教崇拜以及撒旦思想為其主要訴求，通常在歌詞含有反基督、反宗教的傾向即被歸為黑金屬，除了傳統重金屬固定樂器之外，經常會使用其他樂器如鋼琴、小提琴，或歌劇的女高音，在歌曲中營造出一股詭異又嚇人的恐怖氣氛。“黑金屬”以來自北歐的重金屬團體最具代表性。

代表性樂隊：Emperor、 Mayhem、 Enslaved、 Dark Funeral

Death 死亡金屬

樂風以“鞭擊金屬”或“碾核”為其背景演化而成。電吉他快速的反復，幾無旋律的和絃，速擊狂踩的雙大鼓，主唱咬牙不清的低吟狂吼，歌詞以死亡仇恨為主題，充滿了屍體、內臟、肢解、分屍、奸屍、戀屍癖、食屍、虐待等變態字眼。“死亡金屬”以來自佛羅里達州的重金屬樂隊最具代表性。

代表性樂隊：Death、 Carcass、 Cannibal Corpse、 Suffocation

Doom 毀滅金屬

節奏和速度都很慢，非常得慢。較不激烈也不大具有攻擊性，但仍是相當擁有重量感的音樂。通常具有非常乾淨的音樂和歌聲，但有時也有粗暴野蠻的聲音出現。

代表性樂隊：Solitude Aeturnus、 Cathedral、 Candlemass

Glam Metal 華麗金屬
通常指一個重金屬樂隊的舞臺表演方式或外在形象以誇張的濃妝豔抹或俊俏的外型來吸引樂迷，這類的樂隊大多是偶像團體。“華麗金屬”的樂風不會太重，歌詞也無太深入之含義，屬於較流行的重金屬音樂，是主流金屬的分支。

代表性樂團：Kiss、 Poison、 Warrant、 Twisted Sister、 Motley Crue

Grindcore 碾核

類似“朋克”但極具重量的音樂，主唱低鳴深沉的狂吼咆哮、電吉他超麻辣的音色再加上極快速的反復節拍及密集鼓點，構成一種幾無旋律的重金屬樂風，樂曲的長度都很短，從兩秒鐘到三分鐘不等。“碾核”為一種極為冷僻的重金屬樂風，大多數“死亡金屬”樂隊都採用此一樂風。
代表性樂隊：Napalm Death

Grunge 垃圾（頹廢？）

另類搖滾的同義詞。起源於西雅圖的類金屬（metal-like）另類搖滾，基本上Grunge屬於另類搖滾而不應歸類到重金屬之下。
代表性樂隊：Nirvana、 Pearl Jam、 Mudhoney、 Alice In Chains

Hardcore 硬核

源自於“朋克”，歌詞直言不諱粗鄙不堪，音樂如同噪音一般。

owen324:這個評論...狠.........

Hard Rock 重搖滾

比重金屬樂“輕”一點的音樂。

代表性樂隊：Foreigner、 Blue Oyster Cult、 Heart、 Cinderella

Heavy Metal 重金屬

“重金屬”必須具備狂吼咆哮或高亢激昂的嗓音、電吉他大量失真的音色、再以密集快速的鼓點和低沉有力的貝司填滿整個聽覺的背景空間，而構成一種含有高爆發力，快速度，重量感及破壞性等元素的改良式搖滾樂。通常泛指傳統的主流派重金屬或無法分類到其他重金屬流派裏的重金屬樂。

代表性樂隊：AC/DC、 Accept、 Judas Priest、 Iron Maiden、 W.A.S.P.

Industrial Metal 工業金屬

採用大量冰冷的電腦採樣音效，穿插以機械或金屬器具的撞擊聲代替傳統打擊樂器，加上電子式的節拍，是很象科技舞曲的重金屬樂，但仍保留重金屬的大量失真效果。

代表性樂隊：Fear Factory、 Ministry、 Nine Inch Nails

Neo-Classical 新古典金屬

受古典音樂極深，在重金屬樂中加入大量古典音樂元素。

代表性樂隊： Angra

Pop Metal 流行金屬

在重金屬搖滾中加入流行音樂之元素，可說是重金屬搖滾和流行音樂妥協結合的折中產品，是極易為主流市場之音樂消費者所接受的重金屬搖滾樂。

代表性樂隊：Def Leppard, Mr Big, White Lion

Power Metal 強力金屬

擁有類似“速度金屬”的速度和“鞭擊金屬”的重量壓迫感，但旋律性不及“速度金屬”，爆發力也不及“鞭擊金屬”。

代表性樂隊：Pantera, Armored Saint, Wild Dogs

Progressive Metal 前衛金屬

風格有別于傳統重金屬，在歌曲中採用大量複雜華麗的編曲，或在歌詞中傳達出某些前進思想供聽者一個想像思考的空間。

代表性樂隊：Queensryche, Fate Warning, Dream Theater

Punk 朋克

歌詞中傳達某些叛逆思想及對生活環境、文化、社會、政治等的不滿情緒，而音樂缺乏協調性無特定風格，是一種相當嘈雜的音樂，通常一群能將樂器弄出聲音來的人就可以組一個朋克樂隊。

代表性樂隊：Clash, Sex Pistols

Speed Metal 速度金屬

速度為其標榜的主要特色。經常會和“鞭擊金屬”產生混淆，通常“速度金屬”的音樂較具旋律性，主唱歌詞咬字較清楚，吉他間奏富旋律性且快速而流暢；而“鞭擊金屬”則較缺乏旋律性，完全一速度、重量、壓迫感和破壞力並重。通常“鞭擊金屬”樂隊和“速度金屬”樂隊的樂手們都擁有純熟高超的樂器演奏技巧。

代表性樂隊：Helloween, Gamma Ray, Riot, Rage

Thrash Metal 鞭擊金屬

速度也極快，具有相當快速的反復節拍(riff)，電吉他粗麻的音色刷出剽悍的和絃，極具破壞力及壓迫感的速踩雙大鼓，主唱粗暴狂吼式的唱腔配合電吉他快速的節奏急速地唱出幾無旋律的曲調。“鞭擊金屬”以來自三藩市灣區的重金屬樂隊最具代表性。

代表性樂隊：Metallica, Megadeth, Slayer, Anthrax, Death Angel, Testament, Exodus, Destruction, Kreator, Coroner, Overkill

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新世紀音樂

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新世紀音樂

所謂新世紀音樂，大致是起源於70年代末，當時適逢電子合成樂器的興起，讓許多音樂家投效於此一音樂領域的創作，玩出所謂「太空音樂」、「瞑想音樂」等，像是喜多郎的《絲綢之路》即是屬這個時期的作品。在當時沒有這類音樂還沒有固定的名字，一直到後來美國某位藝人的專輯以NEW AGE為名，人們就紛紛沿用這個名字。

之所以為NEWAGE的另一個原因，是這些電子合成樂器的音質，與以往的傳統樂器的音質相當的不一樣，比如他的音質相當乾淨，音場相當寬廣，象徵一種新的時代的來臨，因此NEW AGE之名就這麼來了。

不過到後來原本玩傳統ACOUSTIC樂器的人，也開始創作所謂NEWAGE音樂，其中以WINDHAM HILL與NARADA的旗下藝人，玩的最兇，他們以鋼琴、吉他、長笛等器樂，演奏出一幅幅帶有田園風情、山林景緻的視覺化音樂。而他們的出現也把新世紀音樂的定義從原本的電子音色，擴大到傳統的原音樂器上，而它們共同的特性是音樂是原創的、帶有寧靜質感、結構單純、多屬小品。

不過值得玩味的是，許多屬新世紀音樂的藝人，並不承認自己的音樂屬新世紀音樂的類型，如喬治溫斯頓、雅尼等都曾在媒體上表示他們的音樂不屬於新世紀音樂，其原因在於他們覺得，這樣的音樂風格是從他們自己的音樂背景，加上自己的想法所產生出來的，只屬於自己而不屬於各門各派 。

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新世紀音樂(續)

New Age是一種音樂的風格，您可以稱它是一種"STYLE"。它的範圍非常廣，若演奏家的作品不屬於向來壁壘分明的古典或流行的範圍，而大多是屬於創作以及具有個人風格的作品。通常將具有地方性或民族性的音樂融入其中。而這些作品就通稱為New Age音樂。

目前，在整個音樂市場裡，美國人最常運用New Age這個名詞，藉以區分其他類別音樂。此類作品有共同的特色，就是曲風清新，多屬創作，具有個人風格，大多以樂器表現出來，當你聽到這類的音樂時，甚至還可以勾勒出一幅畫，所以它可以描述出大自然風景，也可以敘事；它可以讓人很印象，也覺得很田園；可以冥想，也可以療傷；它可以詩情畫意，如癡如醉，也可以使您輕鬆入眠；所以它也是一種氣氛音樂。它可以如宗教音樂，也可以是世界音樂；它可以嚴肅的趨近於古典，也可以接近流行。所以New Age遊走於這二者之間，這端看演奏者或創作者對音樂詮釋的境界。

其實New Age音樂裡，還細分很多類別，例如：鋼琴類(piano)，自然音樂類(Natural)，空間音樂(Space)或氣氛類(ambient)或環境類(Environmental)，心靈類(spiritual)，治療類(healing)，冥想類(Meditation)，居爾特音樂類(Celtic)，合成樂器類(Synthesizer)，一般類(General)…等。

就像您可以說將古典音樂演奏得很Jazz，將世界音樂或民族音樂演奏或演唱的很New Age。但許多演奏家不喜歡被冠上New Age的抬頭，是因為如此以來就會被樂迷或聽眾限制其音樂創作的範圍。不管創作者的想法如何，最後還是被歸類於New Age音樂，以區分於其他類型音樂。

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Space音樂

所謂【Space】音樂，也就是太空音樂或是空間音樂,通常會和【Ambient】音樂或是【environment】音樂或是【atmosphere】音樂(統稱環境音樂或氣氛音樂)而這類的音樂通常被包含在New Age音樂當中。

【Space】音樂顧名思義就是聽了之後，會讓您感覺有如身在太空裡，或是音樂氣勢磅礡讓您覺得有如置身於大海或是某個空間裡。

【Space】音樂使用樂器的特色，當然大部分是採用合成樂器來製造整個效果。但是這種合成樂器所營造出來的效果，已不再像從前的合成樂器一樣，讓人覺得冷冰冰。隨著科技的日新月異，取而代之的合成樂器所表現出來的卻是溫暖又具有人性的音色。

【Space】音樂代表人首推Constance Demby，在她的一張專輯中【NOVUS MAGNIFICAT】- Through the Stargate將【Space】音樂表現淋漓盡致。這張作品也成為本世紀new age音樂中最重要的專輯之一。也讓Constance Demby被喻為在新世紀裡，能做出與巴哈作品水準一樣的演奏家之名聲。除此之外，Constance Demby還發明了兩種樂器：The Sonic Steel Space Bass以及The Whale Sail，也被經常使用在科技電影音效中，增加聽覺以及視覺得效果，讓人感覺有如在浩瀚的宇宙中。

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暝想

【暝想】音樂通常會與"healing music"(治療音樂)或"Spiritual music"(心靈音樂)相提並論。這類音樂也都包含在New Age類型音樂中。

所謂【暝想】音樂，大部分音樂家普遍認為是從東方音樂而來，譬如遠古日本或中國的"Reiki"(靈氣)或"Zen"禪道而來。近年來深受西方人推廣。

這類音樂通常利用很簡單的傳統樂器或合成樂器將整個環境氣氛及磁場變的既安祥又寧靜。適合打坐、修行或沉思或練瑜珈時聆聽，藉以幫助身體"氣"的調息。

這類型的音樂幾乎沒有所謂的旋律，取而代之的是很簡單的一些和諧的音符。這類音樂家認為，在聆聽的過程中，這些簡單的音符會轉變成一種能量或是氣，進而到人的身體裡面產生治療的效果。這就是【暝想】音樂的特色。然而，對聽慣了太多旋律的人而言，通常可能不太能接受這種類型的音樂。

根據經驗，建議在晚上睡覺時放上一片暝想音樂，隔天起來絕對讓您精神百倍。因為當您在睡眠時，腦波仍然會接收到他所釋放出來的能量，進而讓您在不知不覺中全身完全放鬆。不過市面上這類暝想音樂有很多，並且參差不齊。要如何挑選一張好與不好的暝想音樂，必須還是需要多下點功夫，才會達到真的治療效果。

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爵士音樂

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咆勃樂

爵士樂發展至今，已有將近一百年的歷史，而咆勃（bebop）便是爵士樂的一種類型。

當時有人問小號手迪吉葛拉斯比(Dizzy Gillespie)：「你們在演奏什麼音樂啊？」而迪吉葛拉斯比不知如何回答，就唱給他聽：「do-be- bop......」於是bebop這個奇怪的字眼就傳開了。一九三零年代，美國發生了經濟不景氣，樂手的表演機會減少，紛紛加入了大樂團以求生存。而搖擺樂（Swing）這種紓解壓力的跳舞音樂，也成為了爵士樂的主流，爵士樂搖身一變，成為當時的流行音樂。四零年代的紐約，一些樂手開始實驗新的創意，其中包括了薩克斯風手查理帕克（Charlie Parker）、小號手迪吉葛拉斯比等。他們自由、狂野的演奏方式，遭到了許多的批評，但是隨著咆勃逐漸流行，樂評人也開始肯定了這種音樂。與搖擺樂相比，咆勃包含了更複雜的即興演奏和旋律，以及更多的和弦變化，每一位樂手都是獨奏家，就連節奏樂器也有獨奏的機會。在一首咆勃風格的曲子裡，樂手們會先來一段齊奏，將主題演奏出來，然後由每一位樂手開始輪流即興獨奏，最後再合奏一次主題做為結束前的高潮。咆勃徹底改變了二十世紀後半期的爵士歷史，衍生出來的爵士樂類型則有酷派（cool）、硬咆勃（hard-bop）、後咆勃（post-bop）等，堪稱爵士樂發展的革命性運動。

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Fusion 融合樂

融合樂（fusion）是由邁爾士戴維斯所創造的一種爵士樂類型，一九六零年代，搖滾樂以洪水猛獸之姿，席捲流行音樂市場，當時爵士樂界受到很大的衝擊，許多樂手的生計也受到影響。1969年，小號手邁爾士戴維斯有感於爵士樂的衰微，便邀集了鋼琴手奇克柯利亞、何比漢考克等青年樂手，錄下了《In A Silent Way》和《Bitches Brew》兩張專輯。這兩張專輯將搖滾樂的元素融入了爵士樂，使用了大量的電子樂器，而這種新類型的音樂便被稱做融合樂（fusion）。

有人說爵士樂本來就是融合的音樂，Fusion一詞自然也就讓人混淆了。其實就「融合」爵士而言，它是特別指明在1960、70年代，爵士樂與搖滾樂的結合，搖滾樂必備的電吉他開始大量運用在爵士樂演奏上，爵士樂變得更向商業靠攏，它是好聽的，也是飽受爭議的。

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Work song 做活歌

這是指19世紀黑奴在工作時所唱的歌曲，俗稱「做活歌」，這種歌曲滿有趣的，它的特色是呼喊與回應，一人起頭唱一句，其他人便跟著回應，當主人被這些人用歌聲咒罵時，可還搞不清他們在唱些什麼呢！做活歌中輪流應答的特色，是爵士樂表演的重要技巧，它可以應用在演唱者與樂團之間，也可以應用在樂器演奏之間，都能產生一問一答的呼應樂趣。

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Swing 搖擺

「搖擺」(Swing)是為跳舞而產生的樂風，當「大樂團」這種表演形式在1930年代因經濟大蕭條而漸漸式微時，為了尋求新的出路，樂團領班開始以更商業的取向來拉回聽眾，因此他們採取了讓聽眾快樂的舞曲形式，而這就是爵士樂的「搖擺」樂風。

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Ragtime (owen324:散拍)

這是在爵士樂正式出現前的重要音樂風格，起源於19世紀末的黑人音樂舞蹈。當鋼琴演奏者彈奏時，左手彈奏進行式的和弦節奏，右手則彈著複雜的旋律(不懂？試著左手畫圓，右手畫方看看)，就這樣，兩手配合玩著充滿節奏的音樂遊戲，右手的即興旋律不時切入左手的主旋律中，因此又叫切分法，它賦予了音樂強烈的節奏風格。

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Modern Jazz 現代爵士

「現代爵士」。這是一種相對於1940年以前的傳統爵士樂，所出現的名詞定義，可以將「咆勃」爵士出現後的新爵士樂派，如「酷派」爵士(Cool Jazz)、Hardbop、「自由」爵士(Free Jazz)等，均可稱為「現代爵士」。

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Modal Jazz 「音形」爵士

「音形」爵士。在著名的「音形」爵士專輯「有點藍」中，你可以聽到麥爾斯‧戴維斯與樂手們，完全展現了成熟內斂的優美音色。音形爵士並非引爆大流行的爵士派別，但它打破了「咆勃」爵士以和弦為即興變化的概念，轉而以音符作為即興思考的基礎，對於爵士樂下一步的發展影響至鉅。

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Hip Hop Jazz

1990年代，結合舞曲風格的酸性爵士(Acid Jazz)大行其道，一些新潮樂手保留了酸性爵士的強烈節奏，並刻意融合黑人擅長的「唸歌」(Rap)，讓爵士樂以這種飽含現代黑人Hip Hop樂風的形式出現，知名樂團如US3等，便曾帶起一陣熱門風潮。

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Hardbop 「精純」爵士

有一票看不慣「酷派」(Cool)爵士的黑人樂手，志在復興黑人藝術，他們重新拾起40年代的「咆勃」爵士精神，並以此為本將它與正統的紐奧良樂風加以融合，產生了所謂的Hard-bop了，這是以「咆勃」爵士為本再改良出發的新咆勃爵士樂，又稱「精純」爵士，是更加道地的黑人爵士樂，也是繼20年代紐約哈林文藝復興後，黑人在50年代的再次文化覺醒。

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Funk Jazz

「放客」爵士當然是指結合了放客樂風的爵士樂，它出現在1970年代，當時流行界的放客樂團大行其道，富融合精神的爵士樂手當然也不會放過，要拿它來融一下了。「放客」爵士刻意凸顯了早期黑人的音樂形式，如節奏藍調、福音歌曲等，讓爵士樂更具流行音樂色彩。

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Free Jazz 「自由」爵士

1960年代，一些樂手已不能滿足於爵士樂固有的即興精神，他們需要更自由、更放任的演奏技巧，如最前衛的歐涅‧科曼乾脆自己來，他直接出了一張專輯就叫「自由爵士」(Free Jazz)，而且賣得頂好，這等於自此開立「自由」爵士一大宗派，也確立了歐涅‧科曼開山祖師的絕對地位。

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Cool Jazz 「酷派」爵士

1940年代，相對於美國東岸的「咆勃」爵士，一些樂手在美國西岸一帶發展的新爵士樂派，簡稱「酷派」爵士，又叫「西岸」爵士(West Coast Jazz)。「酷派」爵士強調冷靜、理性的演奏技巧，著重音色的完美，領頭大將有麥爾斯‧戴維斯、約翰‧科川等人。

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Chicago Jazz

當1920年代，紐奧良樂派及各地的樂手為了生計而轉戰芝加哥後，當地的白人及黑人樂師已因商業需求而開始一場大融合。芝加哥爵士樂派的風格，主要是開始以大樂團(Big band)形式，演奏管弦樂曲譜的爵士作品，這對於後來搖擺樂風的發展有很大的影響。

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Blues

藍調。聽到經典大師演唱的藍調歌曲，你一定會驚嘆，為何會有如此道地、刻骨銘心的黑人「哭調仔」。藍調是為了表達情緒而產生的歌曲，它的歌詞現實而生活化，演唱者一邊即興彈著吉他，一邊圍繞著主題大唱心情感受，詞義直接不加修飾，如果在欣賞時仔細聆聽每一句歌詞，會發現原來歌可以唱得這麼白話而真誠。

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Big band 大樂團

嚴格來講，大樂團(Big band)是指出現在1920、30年代，編制18人以上，演奏爵士樂風的表演風格，領頭的有艾靈頓公爵、貝西伯爵及班尼‧顧德曼等黑、白大將，而大樂團與1930年代大大興盛的搖擺(Swing)樂風有著絕對的親密關係，若單以樂團概念來看，當時的搖擺爵士均是以大樂團作為表演成員，這對於爵士樂商業化的推展，有著很大的影響。

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Blue Note 「藍音」

這個名詞在樂理及樂史上，都有著舉足輕重的意義。在樂理上，Blue Note簡稱為「藍音」(藍調音符)，它指的是西洋7個音階中，B與降B之間，以及E與降E之間的兩個音符，是一種發源自非洲部落，灌注於藍調之中的樂音。而在樂史上，Blue Note則是指1939年，在紐約成立至今的唱片公司，它不僅是項傳奇，其對於推廣爵士樂的不懈努力，更使得Blue Note成為爵士樂史上不朽的精神標記。

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爵士的術語

Front line : 獨奏(Solo)，這是爵士樂最有看頭的表演特色，Front line便是指在樂團中的主要獨奏者，因為他站在最前線嘛！

Ballad : 在樂理上稱為敘事歌或敘事曲，在爵士樂中，我們可以直接將它稱做「歌謠」，多是指以歌詞敘述故事情境，富含藍調「低吟」演唱特色的歌曲。

Jive talk : 流行樂界的比吉斯(Bee Gees)樂團，在75年有一首動聽的熱門單曲便叫Jive talkin’，Jive talk在爵士樂界，指的是爵士樂手彼此間約定成俗的行話或術語。

New Orleans Jazz : 紐奧良(New Orleans)是培育爵士樂的溫床，也因此發展出爵士樂最早期的演奏形式，以小樂隊的團體合奏為表演方式，此時尚未突出個人的獨奏表現，統稱紐奧良爵士樂派。

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世界音樂

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巴西音樂

巴西是個充滿活力的國度，不論身處哪個大街小巷，都能發覺熱情奔放的音樂與隨性自在的舞蹈環繞你四週，尤其每年一度的嘉年華會，更是全國動員的盛會，每年皆吸引來自全球觀光客一起參予這場盛會，而嘉年華會的森巴音樂，也成了代表巴西的音樂。但除了熱情奔放的森巴舞外，還有什麼是巴西的著名音樂呢？

與北美印地安人同源的tupi族

巴西不論是地理或歷史上皆受到多重文化的影響，也造就了當地豐富的音樂資源。像是亞馬遜流域的土著tupi與北美印地安屬同一宗族，透過如瑪露伊‧米蘭達這些具有同一血緣的音樂家的努力，將該民族的聲音，帶向世界舞台，讓該族的聲音不至被時間洪流所埋沒。瑪露伊深入亞馬遜流域17年，除了田野採集外，並把這些原住民的音樂，融入西方的交響音樂格局，創作出如史詩般的龐大格局，讓人聽了無不動容。

屬於戀愛味道的bossa nova

除了原始野味外，當你漫步在里約熱內盧長達七公里的科帕卡巴納弓型沙灘上，看著海天一色的美景，耳邊聽到從海灘渡假村傳來的bossa nova樂音，讓人渾身不自覺的浪漫起來。這類樂音的節奏抒緩、柔軟，歌者的歌聲慵懶中又帶有挑情的口吻，一如美國AMG網站推薦的最佳藝人，聖佐‧山多士所詮釋的《懶人的森巴諾瓦》專輯，在這樣的氛圍裡談起戀愛，似乎更能成功。

殖民時期留下的狂歡舞樂bomba

就歷史方面，巴西與其他的南美國家一樣，受到歐洲霸權的殖民，當時引進並蓄養了許多黑奴，來開發當地的經濟作物，供應歐洲大陸的需要。而這些非洲人也將家鄉的歌帶到了巴西，像是收錄在《澎湃狂歡節》裡的曲式bomba，即是由西非所傳進的音樂曲式，它是以疾速的鼓聲配合族人答唱，與舞者狂扭搖擺而聞名，當時的黑奴為了釋放壓力以及對家鄉的思念，因此以這熱情的音樂與舞蹈，達到忘我的境界，如今其熱門的程度就像發源於古巴的倫巴音樂一樣！

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克爾特音樂 Celtic Music

居爾特、克爾特、塞爾特、凱爾特，其實這些翻譯名詞所指的皆是同一個字Celtic，不過在此我們以較為接近原本發音的「克爾特」為本文的中譯名詞。

什麼是克爾特音樂？話要從該民族談起。克爾特民族起源於西元前1500年，德國西南方，為中歐青銅器時期的代表。該民族不像羅馬行君主專制，而是以同姓氏的宗族、部落為中心，向外擴展，因此版土最遠曾到東方的小亞細亞(現在的土耳其)，以及西方的西班牙的加利西亞，不列顛群島(蘇格蘭、英格蘭、愛爾蘭等地)，至今以蘇格蘭、愛爾蘭、威爾斯，西班牙加利西亞，法國布列塔尼半島，以及加拿大、美國、澳州等地，皆有克爾特民族的蹤跡甚至後裔，因此基本上以大不列顛，法、西班牙上面所提到的兩個地方所出來的傳統音樂我們都會稱為克爾特音樂。

在形式上，克爾特音樂粗略的可分抒情的慢板，以及舞曲的快板兩種。慢板通常帶有哀傷的情緒，屬於敘事、寫情、或是寫景的內涵，其中總帶有鄉愁、離情的色彩，而舞曲方面則是克爾特人農閒、聚會、節慶時最為常見的曲風，像是在電影《鐵達尼號》二等艙裡的狂歡，或是風靡全世界的《大河之舞》舞作，皆是屬於這類音樂。

在樂器上，屬克爾特民族特有的傳統樂器，包括吹奏的風笛、口笛(又稱一便士笛)、撥奏的克爾特豎琴、以及打擊樂器布蘭鼓等，而克爾特的不同領地中，這些樂器的構造上又有些許的不同，然而，這些音色特別的樂器，只要一發出聲響，就能自然流露出克爾特風味。值得一提的是，克爾特音樂除了純器樂演奏外，還有相當豐富的人聲演唱，不論是空靈美聲，或是流行、民謠等領域皆獨領風騷，讓樂壇無法漠視克爾特勢力存在的事實。

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宗教音樂

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何謂「梵唄」

「梵唄（ㄅㄞ、）」是對佛教音律性演唱的稱呼，因為在每天的宗教儀軌進行時，都會有讚嘆佛陀聖德、宣揚法義的演唱，此類歌聲傳達了祥和、平靜的莊嚴氣氛。梵唄相傳是曹魏時，曹植聽到空中有一種梵響，而後記下音節，寫為梵唄流傳於後世。

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古典音樂

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古典音樂的各式曲式

Allemands(法) 阿勒曼舞曲
盛行於巴洛克時代的舞曲，4/4拍子，具有溫和樸素的風格，它是巴洛克組曲的通用樂章之一，現今也偶有人用來指涉流傳於德國與瑞士民間的一種3/4或3/8拍子舞曲。

A cappella, a capella(義) 無伴奏合唱曲
原意為教堂風格，今泛指無伴奏合唱，即不用樂器伴奏的合唱，偶爾也指附有與歌唱旋律相同的簡單伴奏的合唱。另外其也可指一種2/2拍子與2/4拍子的教堂音樂，不過此種用法相當少見。

Bagatelle（法）小品、短曲

Ballad（英）敘事曲。
它的歌詞是具有浪漫氣息短詩。

Ballade（德）敘事曲
14世紀法國一種三段式聯韻詩。當樂家都以這種譜曲。19世紀時，蕭邦、布拉姆斯等人採取這個名詞。

Barcarole(英) barcarolle(法) barcarola(義) 船歌
威尼斯船夫歌曲或模仿這種歌曲形式所譜的器樂曲與聲樂曲。樂曲節奏通常為中速，6/8或12/8拍子，氣氛如船行水上般起伏、搖蕩。

Bassadanza(義) basse danse(法) 巴塞舞
一種十五世紀西歐宮廷中相當流行的舞蹈，於十六世紀初年更形普遍。字義中的bas意指腳的滑動或走動。

Bergamasca(義) bergamasque(法) 貝加馬斯卡
原為義大利北部貝加摩地區流傳的著名曲調，後成為十七世紀作曲家寫作賦格與變奏曲常用的主題。十九世紀的貝加馬斯卡是指一種6/8拍子的快速舞曲。

Bolero(西) 波烈路舞曲
西班牙雙人舞，三拍子，常以響板為節奏樂器。另外流傳於古巴的同名舞曲為2/4拍子。

Canon 卡農
一種對位曲式，一旋律呈現後，接著在上或下聲部進行嚴格的模仿（稱為答句），此時主旋律進入下一段，與答句形成並立的對應關係。卡農是非常古老且精巧的曲式之一，除帕海貝爾的卡農外，許多作曲家如巴哈、莫札特據根據此一曲式創作出美麗作品。

Capriccio(義) caprice(英,法) 奇想曲
或稱隨想曲，指一種幽默、詼諧、奇異並帶有隨意想像風格的小曲，齊通常為三段體，速度快並有特定的主題。帕格尼尼的24首隨想曲是最著名的範例。

Chaconne(英,法) 夏康舞曲
起源於古代的舞蹈，後演變成一種變奏型的樂曲。三拍子、重音在第二拍，具有一個貫穿全曲的固定音型。巴哈無伴奏小提琴組曲中的一首夏康舞曲是最出名的典範。

Courante（法）庫朗舞曲
流行於法、義的三拍子舞曲、多用附點節奏，結尾時節奏常轉為6/4拍子。義大利的庫朗舞曲，曲調較為活潑生動。

Csardas（匈）查爾達斯匈牙利舞曲
匈牙利一種具有吉普賽風格的民間舞曲，由兩個部分所組成，前半部稱拉紹lassau，節奏慢而自由，往往具有憂鬱色彩，後半部稱弗里斯friss，快速、狂熱而奔放。

Divertimento（義）嬉遊曲
十八世紀一種以娛樂為主要目的的器樂曲，風格輕快。嬉遊曲的曲式甚廣，通常採用小編制樂團演出，有採用奏鳴曲式的，也有以進行曲、變奏曲及舞曲譜曲的。

Doxology（英）讚美詩
頌揚上主的詩篇，在天主教儀式中，有兩種重要的詩篇，一是進臺詠，為小讚美詩，一是榮耀經，為大讚美詩。

Etude練習曲
為習樂者發展能力與技巧的樂曲，一首練習曲常是針對某一特定技術問題所譜。近代練習曲部分已擺脫了為練習而創作的公式，蕭邦、李斯特與德布西等均創作有具情感與表現力的練習曲。

Fantasie(英) fantasia(義) fantaisie(法) 幻想曲
一種不拘傳統曲式而著重於表達自由想像的器樂曲，往往帶有強烈的即興色彩，在各音樂時期其形式與風格均不相同。現今幻想曲也指帶有夢幻情調的樂曲或較具自由風的奏鳴曲。

Habanera(西) 哈巴奈拉舞曲
源於古巴哈瓦納，十九世紀傳入西班牙並流行的舞曲，它是許多現代舞蹈如探戈tango的前身，2/4拍子，中速或慢速。

Humoresque幽默曲
一種具有新奇、幽默特質的器樂小曲，舒曼與德弗乍克均有出色幽默曲傳世。

Impromptu(法)即興曲
十九世紀一種器樂小曲，即興曲一詞並不指演出的即興，而是指作曲家心中偶然浮現的樂想。

Invention創意曲
十七世紀作曲家維塔利用創意曲一詞來指一些具有特殊技巧的樂曲，後來創意曲發展成一種探索二部或三部對位的樂曲。巴哈維後世公認的創意曲大師，有多部傑作問世。

Landler(德) landler(法) 蘭德勒舞曲
圓舞曲的前身，一種流傳於奧地利的民間舞曲。在圓舞曲尚未風靡全歐前，莫札特、貝多芬與舒伯特都曾創作過蘭德勒性質的舞曲

March (英) marche(法) 進行曲
伴隨集體行進十所奏唱的一種樂曲，最常見的是行軍進行曲，通常為4/4及2/4拍子，重拍明顯，樂句結構整齊。

Mazurka(德) 馬厝卡舞曲
一種三拍子的波蘭舞曲，風格雍容華貴，偶律帶粗曠。速度不快，但附點音符出現頻繁，且在第二拍或第三拍上有強重音。

Minuet(英) menuet(法) menuett(德) 小步舞曲
源於法國的民間舞曲，十七世紀傳入宮廷中後，曾在歐洲上層社交生活中風行長達百年。其為三拍子，音樂通常從第三拍開始，曲式為三段體，中段稱trio。小步舞曲在交響曲集奏鳴曲中常作為中間樂章。

Nocturne notturno（義）夜曲
十八世紀時指一種與小夜曲類似，用來在晚間演奏娛樂用的小曲。十九世紀時愛爾蘭鋼琴家以其為名，創立一種具浪漫情調的小品曲。費爾德的夜曲形式，後由蕭邦加以發揚光大。

passacaglia(義) passacaille(法) 巴沙加雅舞曲
源於古代舞蹈，後演變成變奏型樂曲。巴沙加雅與夏康極相似，在巴哈時代作曲家往往對這兩者不加區別，近代作曲家則將包含數字低音形式者稱為巴沙加雅，較不嚴格者稱為夏康。

Pavane(法) pavena(義) pavan(英) 孔雀舞曲
二拍子舞曲，慢速、莊重，自十六世紀起流行。習慣上樂曲後接素材相同的嘉利亞舞曲（galliard）

Polka(英) 波卡舞曲
一種二拍子的舞曲，源自波西米亞，這種舞曲在十九世紀時正式成為社交舞。除了史特勞斯家族之外，史麥塔納與德弗乍克也曾譜出精采的波卡舞曲。

Prelude（英）praludium, vorspiel（德）前奏曲
一種當作序曲演奏使用的樂曲，早期為獨立樂曲，巴洛克時期它成為某些特定樂曲的起始曲。到了十九世紀，蕭邦、德布西拉赫曼尼諾夫等作曲家以前奏曲為名創作出色樂曲，但已失去前奏曲的原始意義。

Rhapsody狂想曲
狂想曲伊辭源自希臘史詩「伊里亞德」，樂曲內容主要是針對史詩、傳奇英雄與愛國人物的自由幻想。

Romance（英）浪漫曲
一種無固定形式的抒情短曲。

Rondo 輪旋曲
經常使用於奏鳴曲、交響曲、協奏曲等曲式的最後一個樂章。大致來說，是藉由一個固定的主題樂段，每次出現時再同時帶出另一個新的樂段來構成樂曲，例如A-B-A-C-A-D…。

Saltarello 沙塔列羅舞曲
一種愉快爽朗的義大利舞曲，其一直流行到十九世紀，事實上在今日民間舞蹈的基本舞步中，仍可見到它的蹤跡。

Sarabande 薩拉邦德舞曲
最早出現於十六世紀初的西班牙，但源自何處則不明確，是一種緩慢的三拍子舞曲，通常與其他形式的舞曲共同組成組曲(Suite)。

Scherzo 詼諧曲
始於十七世紀，最初是聲樂曲，1750年後正式成為器樂曲的體裁。其大多為三拍子的短小樂曲、幽默、詼諧、活潑。貝多芬將其引用入交響曲中，蕭邦與不拉姆斯則將起擴張化，使其更富戲劇性。

siciliana(英) siciliano(義) sicilienne(法) 西西里舞曲
源於義大利西西里的農民舞蹈，6/8或12/8拍子，速度中等偏慢，表現出恬靜的田園情趣。

Tarantelle(義) 塔朗泰拉舞曲
流傳於義大利拿波里地區的舞曲，6/8拍子，速度極快。相傳義大利塔朗多地方有一種毒蜘蛛，被咬到的人必須發狂似的跳這種塔朗泰拉舞，直至精疲力竭方能痊癒。

Toccata(義) 觸技曲
一種古老的鍵盤樂曲，在十七世紀時指即興演奏的前奏曲，十九世紀石城玩一種展現手指靈活技巧的快速樂曲。

Variation變奏曲
一種運用變奏技巧，使一段音樂主題連帶著多次的、修飾過後的重述。每一段重述即是一段變奏。巴哈的郭德堡變奏曲、貝多芬的狄亞貝里變奏曲、布拉姆斯的海頓主題變奏曲均是出色的作品。

Waltz(英) Walzer(德) valse(法) valce(義) 圓舞曲
自蘭德勒舞曲轉化而來的一種三拍子、第一拍重音的奧國舞曲，其自十八世紀後半流行以來迄今未衰。圓舞曲中社交舞領域已使特勞斯家族的創作最著名，而理想色彩較濃的圓舞曲則以蕭邦為代表。

Weligenlied(德)lullaby(英)berceuse（法)搖籃曲
催眠曲，曲調通常輕柔舒緩。

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古典音樂的各種表情記號

Anthem（英）頌歌、讚美歌。

Appassionato（意）熱情地、熱烈地。

Assai（意）很，甚。例：Adagio A.很慢

Con（意）富有、帶有、含有、與英文with同。

Con brio（意）輝煌地、燦爛地。

Comodo（便利的速度，也有寫為Commodo）這字義是「容易」或「閒適」，是不必趕急之意。這原來要按各曲而有不同，故全是種處理方法的標語，而非一種固定的速度。普通這個字，總是與「快板」相連，因為想說明快速度之中，可勿忙迫趕急之意。

Deciso（意）堅定地，斷然地

Giocoso（意）遊戲似地，玩笑似地。

Maestoso（尊嚴）這種莊重的速，與表情甚有關係。它應該是較「行板」稍慢。可是也要依據不同的樂曲然後能夠決定其速度。實在，它是指「性格」的成份，多於「速度」的成份。

Melody（英）旋律。

Molto（意）很，甚。如Madagio很慢。M.allegro很快。

Mosso（意）動、快 。PoCo M.稍快。

Moto（意）運動、進行、速度。例：Con. M活躍地，稍快地

Non troppo（意）不要太過。例：Allegro non troppo 不要太快。

Pizzicato（意）撥奏

Pitch（英）高音

Poco（意）小、少。如：P.Allegro稍快點。

Quasi（意）恰如，頗似。例：Q andante頗似行板的樣子

Spirituoso（意）精神抖擻，生龍活虎的。

Sostenuto（意）一律地、不變地，如歌的行板：這是使樂音支持著應有的時值，「頓」剛是相。這實在並非一種速，而是一種聲音表情的標語。自從浪漫派作曲家運用後，便成為「稍慢些」（Meno mosso）的意思，正如樂曲裡面「稍慢」（Ritenuto）至「回復原來速度」（atempo）之間的緩慢一。這個字，全是因作者而有不同的用意，故甚紛歧；甚至同一作者，在各曲之中，用這個字也差異的涵義。

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Chamber music室內樂

室內樂一詞，源自義大利文musica da camera，最早代表一種逐漸在歐洲王室宮廷形成的演奏音樂。而今日室內樂，已跳脫宮廷音樂範疇，指的是一種以小編置的演奏形式所做的聲樂或純器樂曲。它的特徵為四樂章奏鳴曲式，演出時由每一種樂器負責樂曲的一個聲部，三種樂器組合演出稱為三重奏、四種樂器的組合為四重奏quartet，以此類推。

Duo(法) duet(英) duetto(義) 二重奏（唱）
兩個演奏或演唱者在音樂中具有同等地位者稱之，其可附伴奏亦可不附伴奏。聲樂曲有二重唱，器樂曲有二重奏。

Trio三重奏
原指一種三聲部的音樂作品，現擴張解釋為一種三段體樂曲的中段部分。另外以三個樂器演奏的室內樂曲也稱三重奏，三重奏最通常的編制為鋼琴、小提琴與大提琴。

Trio sonata三重奏鳴曲
一種重要的巴洛克室內樂，通常編制為兩把小提琴、一把大提琴及一組鍵盤樂器作為數字低音。早期的三重奏鳴曲形式多為器樂短歌，後演變出兩種形式，一是教堂奏鳴曲，一是室內奏鳴曲。

Quartet(英) quartetto(義) Quartett(德) 四重奏
四個演奏者在室內樂曲中具有同等地位者稱之，通常為一種樂器負擔一個聲部。常見四重奏編製為：第一小提琴、第二小提琴、中提琴、大提琴。

Quintet(英) quintetto(義) Quintett(德) 五重奏
五個演奏者在室內樂曲中具有同等地位者稱之，同樣為一種樂器負擔一個聲部。五重奏的編制較不固定，但大致上為一四重奏團加一樂器如木管樂器或大提琴，也有以純銅管構成的銅管五重奏。

Sestet(英) sestetto(義) 六重奏，六重唱
六重奏為六位演奏者在室內樂曲中居於同等地位協同演奏稱之。

Septet(英) Septett(德) Septetto(義)七重奏
七位演奏者在室內樂曲中具有同等地位者稱之，編制通常為一組旋樂器與管樂器混和構成。貝多芬的七重奏是最著名的作品。

Octett (英) octuor(法) octetto(義) 八重奏
供八種樂器演奏的室內樂曲，歷史上有孟德爾頌與貝多芬為此一曲式創作出出色樂曲。

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古典音樂的專有名詞

Absolute music(英) 絕對音樂
又稱純粹音樂，是與「標題音樂」相對的名詞。絕對音樂指音樂不為描寫景物、現象及事物等實體動作，而是為音樂而音樂。

Basso continuo(義) 數字低音
又稱通奏低音，為鍵盤樂器伴奏譜上使用的一種以數字代表和弦構成的記譜法，盛行於十七世紀至十八世紀。當時為獨唱或獨奏所寫的伴奏譜上，僅有以阿拉伯數字的所記的低音聲部，伴奏者便按數字指示，以聲部模進與樂風的一般規律，即興奏出整個伴奏部分。

Cadenza(義) 華彩樂段
於協奏曲中又稱修飾奏，原為十七世紀歌手在歌劇詠嘆調中的即興插唱，以顯示精湛歌唱技巧。之後在古典協奏曲中，它成為獨奏者在樂曲中展現創作力與即興演奏能力的段落，兒自貝多芬之後開始有作曲家自行譜寫華彩樂段。

Improvisation(英)即興演奏
一種自發性的演奏藝術，不依曲譜，不靠草稿與記憶，有演奏家自行發揮。即興演奏在十七、十八世紀相當盛行，但今日此種藝術已接近消失。

Program music標題音樂
與絕對音樂是為相對詞。簡單的說標題音樂是以標題為出發點，音樂創作者認為音樂必須能表現事務或敘述故事，同時由於一般欣賞者缺乏想像力，富有特定標題的音樂使大眾更容易瞭解樂曲。因此標題音樂自十九世紀起打破絕對音樂獨霸的局面，成為音樂中重要的一個部分。標題音樂的首部代表作為白遼士的「幻想交響曲」。

Sonata奏鳴曲
以奏鳴曲式為主體的一首完整首樂曲。一首完整的奏鳴曲則包括第一樂章快板（通常為奏鳴曲式結構）、第二樂章慢板、第三樂章小步舞曲（Minute）或詼諧曲（Scherzo）及第四樂章快板。

Sonata form奏鳴曲式
廣泛為交響曲、協奏曲、室內樂及器樂曲所採用的一種曲式，樂曲結構包含呈示部（有時前包含導奏或前奏）、發展部、再現部及終曲。

Solo獨奏，獨唱
一種僅由一位演出者演出的曲子，如鋼琴、小提琴獨奏曲或獨唱曲。在協奏曲中獨立演出的演奏者以及管弦樂曲中由一人演出的樂段也稱獨奏。

Conductor（英）指揮
領導合唱或領導合奏的人。其任務在控制演奏的速度，音樂的節奏，最後則在表達樂曲的精神及作者的真義。

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古典音樂的各種速度記號

Adagio（義）慢板
這個名稱，義大利文原意是「閒暇，容易」，因此，它在徐緩之中，帶有悠然的閒意。它的性格是柔和，溫雅優美，近於悲哀，而Largo則較偏於莊嚴寬闊。以前的名作曲家，都是把慢的樂章稱為Adagio；例如海頓的第六交響曲（所羅門交響曲）的第二章，雖是用Andante（行板），但他卻稱之為Adagio。大概說來，Adagio的樂章，在柔和，美麗的風格中，多用裝飾音及流暢的進行；在Largo的樂章則永不如此。

Adagietto（極緩板）

Allegretto（稍快板）
（義）稍快板：這指（快板）略減其速，故是介乎中等與快速之間的一種。它也是表明一種性格。究竟快慢如，仍然要根據樂曲而有差異。這種速度，也常用為樂章的名稱，像「柔慢」，「行板」等等一樣。

Allegro（快板）
（義）快板：這字，原意為「愉快活潑」。在樂曲中，它不獨表明其速度，也說明「快活生動」的性格。這種速度，乃介乎「最急速」（Presto）與「行板」之間，因為各曲的不同內容，它也有很大差異，無法統一。在「快板」之中，也有「非常的快」（Allegro Assai），更有「活躍也快」（Allegro Vivace，是表明性質偏向於活潑生動），雖然拍子機上，把它列成比「非常的快」更快；但實際上，仍然要看看樂曲的性敕如，才可決定。

Andante（行板）
（義）行板：這是最常用的速度，在義大利文中原為「行路」的意思，故通譯為「行板」。這「行」的意思，是指「徐步而行」的速。這也如Adagio一樣，常被用為樂章的名稱（約每分鐘六十四拍）。

Andantion（小行板）
（義）小行板：這個字的來源，是由Andante變化而生；原意是「不要走那麼快」。可是許多作家卻解為「不要走那麼慢」。於是以訛傳訛，沿用成習，總是比Andante快一些。普通總是要看樂曲的內容，而定它慢成什麼地步。平常每分鐘約為七十二拍。

Grave（義）極緩板
這是最慢的速度，在拍子機上，是每分鐘抯四十次。其實，每個人的處理，常有不同，也不是一定每分鐘打四十次。這個「極緩板」的標語，實在表現「性格」的成份多於「速度」的成分。那些沉重的樂章總是屬於嚴肅一類作品。例如莫札特的「鎮魂樂」，貝多芬的鋼琴鳴奏曲「悲愴鳴奏曲」都用這種性格化的速度。

Largo（義）最緩板
這種慢速度，全是寬闊宏厚的性格，它包藏著徐緩，豪放、端莊的氣質。韓德爾所作的「水上樂」，便有一個「寬闊的慢樂章」，最為世人所欣賞。

Larghetto甚緩板，小寬闊的慢速度
這是具有「寬闊的」，而有「行板」的速度；說來，它是稍快的豪放慢板。

Lento緩板
這種慢速度，依各人處理，大有差異。實則它與「慢的行板」（SlowAndante）有相似的速度及氣質。

Moderato（意）中板
原意是中庸的、溫和的、節制的：這是最通用的一種速度；可是它的速度標準，卻不能規定。它可以慢得有如「行板」，快得有如「快板」，都是依據處理者的自由快定。這字也常與其他的速度名稱合併使用，例如Allegro Moderato，便是稍快的中等速，Andante Moderato卻是稍慢的中等速了。

Prestissimo（最急板）
這是最急的速度，其中亦有很大的差別，因各人所用而有不同。

上列各種速，都各有個性。它們根本並不題全指速，卻是包含著一種性格在內。每種速，就好比戲劇裡的角色或者各個段，各有特性。因此，史丹尼導演「茶花女」，把各場的排演，用音樂速度名稱去表示出來，實在是一種卓越的見解。

Presto（義）極快板

Vivace（意）甚快板
為活潑或快：這是說，盡可能活潑起來，全是側重性格方面。速率則介乎「快板」與「最急速」之間。這字常與其他速度名稱連用成為表情標語。

Presto（急板）
它比上列各種速度都快，成為急激的性質。凡在一個樂章的中途稍快，則作者常標以「頗急」（Piu presto），這樣說來，它意思乃偏於性格，而非全速度而言。

Rubato 彈性速度
指一種具有伸縮性的自由速度指示，包括些微的漸快或漸慢，通常視音樂表現所需所賦予某種特殊要求，但通常以不過度扭曲樂曲節奏或旋律性為最大限度。

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古典音樂的各歌劇專有名詞

Cantata清唱劇
一種巴洛克集錦聲樂曲，通常由數個樂章構成，包含抒情調、宣敘調、二重唱及合唱等。清唱據分為兩類，一是宗教清唱劇，一世俗世清唱劇。巴哈是音樂史上最著名的清唱劇大師。

Grand opera大歌劇
十八、十九世紀流行於法國的歌劇劇種，場面豪華、風格壯麗，大多含有芭蕾舞場段，麥亞白爾是最知名的法國大歌劇作曲家。十九世紀後半大歌劇由於大多輕薄華麗，因此沒落。

Leitmotis主導動機
由華格納友人使用之術語，用來指涉華格納在他歌劇中以音樂主題來表達角色性格、情境與重複概念的手法。

Opera歌劇
一種結合戲劇、音樂與舞台的綜合藝術，組成至為複雜，音樂、戲劇、舞蹈、服裝、燈光及舞台設計等均涵括其中。歌劇最大特徵為其劇情的推演乃透過歌手演唱而非言詞，歌手的演唱形式包括詠嘆調與宣敘調，兒由於歌劇極要求艱難歌唱技巧，因此培養出偉大的歌唱傳統。歌劇形式有許多，包括正歌劇、喜歌劇、大歌劇、輕歌劇等。

Opera comique喜歌劇
主題輕鬆感傷的歌劇，特徵是含有過場口白（在法國尤然，悲劇性格的卡門上演時也是被稱為喜歌劇）。喜歌劇較正歌劇為通俗，一般觀眾較容易接受，但並非代表喜歌劇不能蘊含偉大的理念，只不過這種嚴肅性被諧趣的外衣包覆住罷了。

Music drama樂劇
華格納歌劇創作中一種總體藝術的表現，揚棄了義大利編碼歌劇的形式，以主導動機與掌控全局的管弦樂來鋪陳劇情，因此音樂與戲劇之間的連結更為密切。華格納「尼貝龍根的指環」是樂劇的最佳代表。

Opera seria正歌劇
指十八世紀義大利歌劇中，劇情嚴肅且全劇分為三幕者。

Operetta輕歌劇
十八世紀輕歌劇指的是較短的歌劇，十九世紀與二十世紀時指的是輕鬆傷感的小品劇，簡單通俗、其中包含對白、舞蹈等。奧芬巴哈、小約翰．史特勞斯與蘇利文是公認的三大輕歌劇名家。

Oratorio神劇
一種在音樂廳或教堂演出的音樂作品，不用佈景、服裝與舞台動作，劇本具宗教性與思想性。神劇與歌劇的不同為神劇戲劇性較少、不需舞台表演，且過場口白或宣敘調部分常用一位敘述人（narrator）擔任。書茲與巴哈及韓德爾是最重要的神劇大師。

Recitativo(義) recitative(英) recitatif(法) 宣敘調
又稱朗誦調，散文題材的歌詞，用其來強調語言中的自然音調變化。早期的葛利果聖歌中經文及祈禱文多以宣敘調呈現，而在歌劇中宣敘調通常用來銜接詠嘆調與另一首詠嘆調。

singspiel說唱劇
一種含有口白的德式輕歌劇，莫札特的魔笛是最著名的一齣。

Verismo(義)寫實主義
源自法國作家左拉Zola等人所揭示的自然主義，揚棄對理想色彩的追求，轉而面對赤貧且真實的社會中下階層。自然主義風吹到義大利後，歌劇界將其轉為寫實主義，馬士卡尼「鄉間騎士」與雷翁卡伐洛「丑角」為寫實歌劇風潮的代表性作品。

Zarzuela札崔拉
名稱來自馬德里附近的札崔拉宮，西班牙歌劇中最重要的形式。其與一般歌劇的不同點為將對話與音樂混和，通常為喜劇。

Alto，contralto(義) 中音部，女低音
低於高音部（soprano），高於次中音部（tenor）的聲部名稱，後接樂器時表該樂器家族的中音樂器，如alto saxophone中音薩克管。另一解釋是女低音，在混聲四部合唱中，由於其演唱中音部，故有時也被稱為女中音。

Baritone(英) 上低音部，男中音
低於次中音部（tenor），高低音部（bass）的聲部名稱，後接樂器時表該樂器家族的上低音樂器，在銅管樂器中直接指上低音號。另一解釋是男中音，音域在男高音與男低音間，音色兼具男低音的濃郁與男高音的抒情。

Bass(英) 低音部，男低音
聲樂曲的最低聲部，後接樂器時表該樂器家族的低音樂器。另一解釋是男低音，音域是一般男聲中最低者。

Bel canto(義) 美聲唱法
傳統的義大利式歌唱法，重視歌聲的優美、技巧的精湛。美聲唱法要求發音圓潤優美、音量層次控制力要強，對於華彩與裝飾音的處理也需週到。十七至十九世紀是美聲唱法的全盛時期，它所開發出的歌唱技巧至今歌者仍奉為圭臬。

Castrato(英,西) 閹人歌手
中世紀至巴洛克時期所盛行的一種高音男歌手，這些男歌手為維持絕高的音域，在變聲期前便手術去勢。他們能唱出接近女聲及同聲的嘹喨音色，其中法林納里及卡伐瑞里是歷史上最著名的閹人歌手。

Chorus(英) chor(德) 合唱，合唱團
泛指單一聲部的歌唱者多餘一人的聲樂，齊可以是一個聲部也可以是多個個聲部，可有伴奏，也可沒有。合唱自古希臘時代即已存在，是最古老的音樂形式之一。

Mezzo soprano次女高音
女聲中音域介於女高音（soprano）與女低音（contralto）的音種，音域間有女低音的寬厚與女高音的光澤。有時有些音域寬闊的女高也可兼唱次女高音。

Soprano(英) Sopran(德) 高音部，女高音
演唱或演奏曲中最高的一個聲部，人聲中指女高音，後接樂器時表該樂器家族的中音樂器。女高音又分抒情女高音、戲劇女高音及花腔女高音等。

Tenor(義) 次中音部，男高音
介於中音部與低音部間的一個聲部名稱，人聲中指男高音，後接樂器時表該樂器家族的次中音樂器。男高音又分抒情男高音、戲劇男高音及華格納男高音等。

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古典音樂的樂史流派

Baritone(英) 巴洛克
也稱數字低音時期，巴洛克一辭源自葡萄牙文，字義為不規則的珍珠，今統指大約自1600年起自1750年止之音樂時期。巴洛克是音樂史上創造力最豐盈的時代，樂風華麗，有大量的音樂形式創自此一時期，柯瑞里、維瓦第、韓德爾及巴哈等人均是巴洛克時期最重要的音樂大師。

Classicism古典主義
一般用法指古希臘羅馬時期文學與藝術的特質，在音樂上指浪漫主義前的音樂年代，一般以海頓、莫札特與貝多芬為音樂古典主義的代表。古典主義的特徵為穩定、安和、明朗、均衡與自信，若有一藝術形式或時間斷面符合此特徵，也被稱為古典主義。

Impressionism印象派
十九世紀晚期至二十世紀初年的一種藝術運動，繪畫上有莫奈、馬內與雷諾瓦等代表性畫家，在音樂方面已德布西與拉威爾為代表。印象派音樂著重音的力度與色彩變化，使用大量的不和諧音程，造成音樂的纖細朦朧變化繁複的感受。

Nationalism國民樂派
又稱音樂的民族主義，在音樂上自十九世紀後半所展開的一種運動，特色維強調音樂來源與民族的關聯性。作曲家取材自本國民間曲調與舞蹈節奏，選擇本國國民生活情境與國家歷史神話題材作為創作根源。國民樂派起自歐陸邊陲國家，捷克、匈牙利、俄羅斯、挪威及芬蘭都陸續孕育初本國的國民樂派代表性音樂家。

New-Classicism（英）新古典主義
廿世紀時，企圖將巴哈時代更古的音樂溶入現代風格中，對抗後期浪漫主義。作曲家有布梭尼、皮斯頓等人。

Renaissance文藝復興
約十四世紀至巴洛克前期，文藝復興是歐洲最重要而廣泛的文化運動其最早發源於義大利，當時的人們對古典（希臘、羅馬文化）的文學、藝術重新發生了興趣，之後復古思潮便瀰漫整個歐洲。在音樂上文藝復興自十五世紀開始，複音音樂與和聲體系辨識在此一時期萌芽發展。

Romanticism 浪漫主義
十九世紀最重要的文化與社會運動，反對理性、均衡的古典傳統，著意於返回單純自然，並注重個人的主觀意識與感受，在表現形式上要求更為自由。文學與繪畫的浪漫主義為期較短，音樂的浪漫主義則自貝多芬第三號交響曲開始，一直持續到二十世紀初年理查．史特勞斯才結束。舒曼、李斯特、孟德爾頌、白遼士、蕭邦、布拉姆斯等人是最重要的浪漫主義作曲家。

Serial music音列音樂
一種對西方調性系統的反動，由荀白克發起。荀白克視一個完整八度中包含所有音階在內的十二音同等重要，並據此發展出無調音樂。荀白克的理論之後被貝爾格、魏本等人承緒，自此顛覆了數百年來的西方音樂傳統。

Wiener klassiker(德)維也納學派
自古典時期起於維也納發跡的作曲家的統稱，海頓、莫札特與貝多芬是為代表。後期維也納學派有更廣泛的解釋，如今承襲自古典傳統的德奧作曲家也被歸入該學派。

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古典音樂的樂曲形式

Ballet（英）芭蕾
一群舞蹈者作戲劇性的演出，舞者通常穿著舞台裝，附有音樂伴奏，但舞蹈中沒有歌唱或台詞。芭蕾源自民間舞蹈，之後逐步發展成精緻標演藝術。法國、奧地利與俄羅斯是早年芭蕾舞重鎮，柴可夫斯基、史特拉汶斯基、德利伯等作曲家是著名的芭蕾舞音大師。

Character piece, charakterstuck, polyptych特性曲
泛指十九世紀為數頗豐的短曲，其大部分為鋼琴曲或鋼琴與另一樂器合奏的短曲，作曲者用其來表現一種心境或標題性的樂想。

Concerto協奏曲
重要古典曲式之一，協奏曲為一種由單一或一組獨奏樂器與管弦樂團協同演出的樂曲，其拉丁字源有二，一是concertate競爭，一是conserere聯合。因此它的最大特徵是獨奏者或獨奏群與管弦樂團地位並非主從，而是站在平等地位競奏與合奏。小提琴與鋼琴是參與協奏曲的主流樂器，作曲家為兩者創作出最多經典作品。

Concerto grosso大協奏曲
流行於巴洛克時期第一種協奏曲形式，由一獨奏樂器群（concertino）與協奏群協同演出，獨奏樂器群中通常還包含一組數字低音樂器。柯瑞里、維瓦第、韓德爾與巴哈均曾創作出著名的大協奏曲

Concerto-sinfonia交響協奏曲
自早期單樂章協奏曲過渡至協奏曲式的一種樂曲形式，其通常不採用獨奏與合奏的對比，而主要著重在演奏技巧的對比上。

Folk music民謠
民間歌謠，有別於受過訓連的音樂家創作出的藝術音樂。民謠通常來自於普羅大眾，早期是用口耳相傳方式傳佈。十九世紀許多作曲家開始收集本國民謠，其因此逐步進入古典音樂中，成為音樂家創作的氧分來源。

Gregorian chant葛麗果聖歌
六世紀教皇葛利果一世不制定聖歌的樣式、用法、調式與匯集聖歌。他在位期間共有一千六百曲以上的聖歌被匯集，成為今日所稱之「葛利果聖歌gregorian chant」。葛利果聖歌分為彌撒音樂及日課音樂。這一千多曲聖樂全部都是單音聖歌，沒有和聲及伴奏，節奏也是不規則的。

Instrumental music器樂曲
以樂器演奏的音樂，與聲樂對稱，器樂與聲樂混和的樂曲多半被歸類為聲樂曲一類。器樂曲分為兩大類，一為合奏，一為獨奏，其自古典時期起聲勢超越聲樂曲，成為近代音樂的主流。

Masquerade假面劇
起源於法國與義大利，一種十六、十七世紀時貴族娛樂用的舞台作品。其結合詩歌、聲樂與器樂。期題材大多為神話或寓言。自歌劇興起後，假面劇隨即沒落，後來更淪為一種化粧舞會。

Mass（英）messe（義）missa（拉）彌撒
天主教儀式中最莊嚴神聖的一種，表示對最後晚餐的紀念與將它神秘重現。彌撒分為小彌撒與大彌撒，在1400-1600年間期結構大致確立，包括慈悲經（kyrie）、榮耀經（gloria）、信經（credo）、聖哉經（sanctus）與羔羊經（agnus dei）等內容。

Motet經文歌
早期複音音樂最重要的形式，特別在中世紀與文藝復興時期。其為一種無伴奏聖詠曲，根據與宗教有關的詩文譜曲，以供天主教儀式晚禱時演奏用。

Overture序曲
一種管弦樂作品，最早用在歌劇、神劇或類似作品的啟幕曲，或用在組曲中成為組曲的前引。歷史發展的演變，序曲被抽出作為管弦樂演奏會用的獨立樂曲，稱為音樂會序曲。

Orchestra music管絃樂
管弦樂團是以弓弦樂團為主，加入至少任何一類木管、銅管或打擊樂器所組成的大型合奏團，管弦樂廣義指由管弦樂團演奏的音樂。近代管絃樂形式極多，組曲、舞曲、前奏曲、序曲等均列入管弦樂的範疇內。

Passion music受難曲
根據新約聖經以耶穌基督受難故事為主題的音樂，其中包含朗誦調、抒情調、管絃樂及合唱等。歷史上最出名的受難曲為巴哈的「馬太受難曲」。

Lied（德）複數形lieder 藝術歌曲
德國藝術歌曲，由中世紀吟遊詩人流傳而來，若數首意境關聯的藝術歌曲連結成篇，則為連篇歌曲liederkreis。藝術歌曲自舒伯特起達到輝煌的顛峰，舒曼、布拉姆斯、沃爾夫、馬勒與理查．史特勞斯是舉世公認的藝術歌曲大師。

Madrigal (英,法) 牧歌
一種流傳自中世紀的聲樂曲，具有詩的形式。牧歌的主題通常有關愛情與田園風格，義大利與英國是出產最多牧歌的兩個國家。

Serenade小夜曲
又稱晚間音樂，一種聲樂或器樂曲。早期小夜曲以聲樂為主，到十八世紀後半演變成為一種具娛樂性質的器樂合奏曲，由小型合奏團演奏。

Requiem安魂曲
一種為安慰死者所舉行的彌撒所演出的音樂，其基本上與一般彌撒類似，但少了氣氛較為歡愉的榮耀經與信經，多了繼敘詠中的末日經。音樂史上莫札特、威爾第與佛瑞三人所譜的安魂曲最為出色。

Solo concerto獨奏協奏曲
在協奏曲中獨奏者僅為一人一樂器稱獨奏協奏曲，若為兩人兩樂器稱為複協奏曲。獨奏協奏曲是十八世紀起成為協奏曲主流。

Suite組曲
巴洛克時代的一種重要器樂形式，由數個樂章組成。每一首樂曲都具有舞曲性格，而且都同一調性。巴洛克組曲主要的構成分子為阿勒曼舞曲、庫朗舞曲、吉格舞曲及薩拉邦德舞曲。十九世紀後作曲家已不創作巴洛克組曲，而常將其作品中的數個樂段獨立取出組成音樂會組曲供演出。

Symphony交響曲
交響曲（Symphony）一字源自古希臘，字義為「聲音的和諧共響」，其形式由海頓確立後便成為維也納學派的核心音樂。交響曲多為四個樂章，的一樂章通常為奏鳴曲式。海頓、莫札特、貝多芬、布拉姆斯、布魯克納及馬勒等人均是音樂史上最重要的交響曲作曲家。

Symphony poem交響詩
又稱音詩，標題音樂的重要類型，李斯特1854年在威瑪演出作品塔索時首度使用。交響詩通常為單樂章結構，為十九世紀作曲家為呈現他們受文學、繪畫所激發的靈感，以及描述民族文化與自然景緻所創作的樂曲。

Fugue, fuga賦格
賦格為對位法最成熟的形式，以一個短旋律為基礎，加上數個獨立聲部所構成。由短旋律鋪陳主題，再由另一聲部加以陳述，緊接著其他聲部也依序予以陳述發展，其中主旋律並未結束，而是與各聲部自由對位。巴哈是公認的賦格大師，他最後名作「賦格的藝術」迄今仍被公認為對位法的顛峰之作。

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古典音樂的樂曲符號

Crescendo漸強 decrescendo漸弱

縮寫為cresc，decresc，符號為<及>，音樂表情記號之一

Flat（英）符號為b，降半音記號

Rhythm（英）節奏

Silence（英）休止符

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古典音樂的調性樂理系統

Counterpoint（英）kontrapunkt（德）contrepoint（法）對位法
集音符對音符或旋律對旋律，由兩個或以上的旋律同時發聲的音樂。對位法以旋律構成樂曲結構的橫向，各旋律間的音程構成縱向，在樂曲行進間互相影響，交互作用。對位法有論者認為與複音音樂是同義詞。

Encore（英）再來一次
音樂會中，聽眾要求音樂家為他們再奏一曲時，鼓掌之聲。

Harmonics（英）泛音
演奏小提琴時，左手手指在弦的等分部分輕輕接觸，然後用弓擦之，而產生一種透明而清澈的泛音。

Tempo(義) 速度指示
源於拉丁文tempus，在音樂領域中指與時間有關的概念、如拍子、節奏與速度等，但比較常用於速度。速度可分基本速度與變化速度兩種。

Aria(義,西), air(英,法) 抒情調，詠嘆調，歌調
(1) 歌曲，曲調；
(2)詠嘆調：於歌劇、神劇與清唱劇中之獨唱曲，富有旋律性、抒情性與戲劇性。詠嘆調有許多類型，如抒情詠嘆調、炫技詠嘆調及對白詠嘆調等；
(3)有時被用於抒情器樂曲的標題。

Organun奧爾干農
又稱平行複音或自由複音，其定義為一個聲部加上一個或多個對位部。

Wohltemperierte(德)平均律
西方的一種調律法，依五度音程求律的方法求出西方調式中的二十四個大小調。完全八度的自然音程與平均律求出的音程上會有些微的差異，通常在升降半音間會有1/4音的差異。

Tonality調性
原意為「忠於主調的」，現為西方音樂中大、小調、五聲音階、全音調式、教會調式等的統稱。

Ritornello利都奈羅
在巴洛克協奏曲中常見的名詞，主要指樂曲中獨奏與全奏的交替，這種交替乃獨奏所呈示的樂節變化時，全奏根據同樣的題材，奏出同樣樂節。

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呈示部、展開部、再現部

"奏鳴曲式"這個術語我們常常在欣賞音樂尤其是大型音樂作品中會提到，通常協奏曲、交響曲、奏鳴曲這類多樂章的作品，第一樂章都是採用奏鳴曲式（sonata form），奏鳴曲式是從奏鳴曲（sonata）這種體裁中逐步形成的。奏鳴曲式的大致輪廓可分為呈示部、展開部（也叫做發展部）、再現部三種結構，最早的奏鳴曲是單樂章的，它的結構是奏鳴曲式的雛形，後來發展成爲三個樂章的古典模式。

<呈示部>是把該樂章的主題展示給聽者，第一個稱做"主題"，第二個稱做"副題"（也有人稱作主部和副部）。它們除了在個性上不同以外，在調性上也要形成對比。

展開部（也叫做發展部）的任務是將前述材料作進一步的發展，展開部是對主題、副題材料的自由發展，它們不再是像原來的樣子，而是在調性上不斷變換，樂句結構也被打散，加進了新材料，聽上去整體情緒不大穩定。這一部分的特點是情感的轉折、劇烈的矛盾衝突和對主題潛力的開掘。

再現部，顧名思義，是再一次完整地呈現主要素材，但它不是簡單的再次重複，而是在更高層次上對主要素材的回顧，以及對整個樂章的總結。再現部裏的副題要有"調性回歸"，或者叫做"調性服從"。服從主題的調性（通常稱作主調--即主要的調性）。由於副題的調性回歸，所以原來的過渡樂句也就有了一些變化。

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首席 Prima

首席，顧名思義就是指最高的席位或職位，通常由最優秀的人士擔任。

在樂團的編制中，每個樂器部門都會有一個首席，負責率領該部門的演出，例如小提琴首席、長笛首席、銅管首席…等等。

其中第一小提琴部首席的地位最重要，他必須負責整個樂團音高的統一、速度的掌控等，可以說是樂團最具代表性的靈魂人物，因此無論是指揮家或獨奏家，通常都非常尊重樂團首席樂手。

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流行音樂

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Gangsta Rap「幫派饒舌」

黑道人物的專用音樂。Gangsta Rap「幫派饒舌」音樂，是 Rap的一種，主要敘述街頭生活、都市犯罪、暗殺、女人……等等，真的稱的上是最具「現實主義」風味的音樂產物。Gangsta Rap備受爭議、叛逆、強悍的風格，自從80年代末期在美國興起，大大受到歡迎，甚至有NBA選手也想跨界錄製Gangsta Rap專輯，不過這種行為，當然是不被幕後支持的財團所允許。

許多Gangsta Rap歌手，具體落實「音樂即是生活」的精神，在監獄中度過的時間與花在錄音室的時間一樣多，例如備受爭議的人物2pac，即是一個排行榜上的成功案例。不過2pac後來受到槍擊飲恨歸天，一切只能說，Gangsta Rap不但反映現實，更是令人觸目驚心的音樂；選音樂就像選人生命途……。

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Trip-Hop「迷幻流行」

Trip-Hop和Hip Hop的不同

Trip-Hop發源自英國的Bristol，因此最早的名字叫做「Bristol Hip-Hop」。Trip的解釋，用武俠場景描述的話就像「東邪吸毒後的幻覺狀態」，而Hop就是說呢，從Hip-Hop這個幫派出走，自立門戶以後，不忘同門情誼而留下的標誌。Trip-Hop節奏輕緩，具有被下迷藥後的幻想色彩，然後還有抽象、詭譎的形象，類似跑到黃藥師擅長的桃花陣裡面。不過在音樂中加了人聲以後，Trip-Hop一掃邪氣陰暗，變成風光明媚的桃花島。

那什麼是Hip Hop？這個流派有四大絕技「DJ、霹靂舞、街頭塗鴉、流行的黑人裝扮。」Hip Hop徒眾之多，可媲美名震天下的丐幫，本派人數多到：只要在街頭看到有人跳舞，大約耍的都是這種Hip Hop招式。

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R&B「節奏藍調」

廣泛流行的黑人音樂

R&B的全名是 Rhythm & Blues，也就是經常聽到的「節奏藍調」 。R&B可視為「黑人的流行音樂」，源自於黑人的Blues音樂，帶著憂鬱色彩，是現今西行流行來和搖滾來的基礎。Billboard雜誌曾經為R&B作一個簡單的解釋：所有黑人音樂中，除了 Jazz和Blues之外，都可以被列為R&B。由此可知 R&B的範圍是多麼的廣泛。近年來流行音樂圈盛行的Hip Hop和 Rap都源於 R&B，並且同時保存著不少 R&B元素。

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HOUSE「電子舞曲」

芝加哥的土產HOUSE

HOUSE是從芝加哥舞廳發展出來的音樂，當80年代DISCO正紅的時候，從DJ手中玩出的變體新樂種。根據史載，有個別名叫「HOUSE音樂之父」的人Frankie Knuckles，用電子樂團的一張唱片+電子鼓+黑人藍調歌聲，混合調製之後，就變成HOUSE。以速度快慢來說，DISCO每分鐘大約是80到100拍，而HOUSE馬力強一點，所以快了點，一分鐘大約在120拍上下。之後，許多DJ聽到這種新的音樂概念，也開始發揮創意精神，模仿創作這種音樂，並在舞廳播放，恩澤於廣大舞迷。自從80年代末期，HOUSE受到唱片業的青睞，便在流行樂壇留下一頁輝煌的歷史。

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Britpop「英式搖滾」

大不列顛的搖滾樂 Britpop(英式搖滾)

在上世紀90年代前後，正值美式重金屬搖滾轟炸全球的囂張時期，Britpop「英式搖滾」從大不列顛異軍突起，在流行樂壇掀起巨浪。英國年輕的一代在搖滾中，充分唱出了他們的生活，文化，還有對音樂的追求，加上大不列顛幾百年的光輝歷史，融合英國音樂的精髓的Britpop，於是閃亮誕生。

講到英國搖滾，就必須向奧林匹亞峰頂的The Beatles朝聖，披頭四奠定了英式搖滾中那些讓人迷戀上癮的旋律，還有鮮明的「和諧」感。Blur樂團延續了Beatles前期曲風，優美的曲調，開創了Britpop這個偉大時代。之後Oasis延續了Britpop的強大勢力，成為流行樂壇的超級巨星。另外Suede、Pulp、Radiohead也都是Britpop「英式搖滾」的代表。

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Synth-Pop「電子流行音樂」

電子合成開始流行的時候

70年代電子樂器使用逐漸廣泛，加上電腦與合成器問世，電子合成開始被大量運用在流行音樂中，於是漸漸成為主流音樂。在前仆後繼的流行音樂中，Synth-Pop「電子流行音樂」曾在80年代初期風光了短短幾年時間，到1984年隨即急流勇退。早期的電子合成音樂比較冰冷、僵化，經過Duran Duran巧妙的把合成器流行樂和舞曲融合起來，改良後的音樂更加通俗、流行，並很快成爲時尚，Gary Numan、The Human League、Depeche Mode、New Order……等等，都是Synth-Pop的重要藝人。

Synth-Pop成為一種演奏方式，雖然出現時間不長，但是影響一直持續了下來，現在的合成技術已十分成熟，要模擬真實樂器的音色，十分容易，並且被廣泛運用到多種風格上。

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ORCHESTRA「管絃樂團」

樂壇的帝王

ORCHESTRA管絃樂團是古典音樂史上最重要的產物，一個樂團中包括弦樂群、木管樂器群、銅管樂器群與打擊樂器，並由指揮來統馭。它所發出的樂音可甜美、可粗曠、可細緻溫柔、可雄壯威武，除了歌曲與合唱之外它的音樂表現力幾乎無所不包、無所不能。從17世紀出現至今，由於受到熱烈歡迎，管弦音樂會如雨後春筍而生。由於ORCHESTRA是西方音樂的正宗，流行及搖滾樂也經常運用ORCHESTRA的演出。

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CHAMBER POP「室內流行音樂」

巴洛克肅清噪音運動

90年代lo-fi(低傳真)運動大行其道，特色是使用怪異、不和諧的音色，粗糙生硬的演奏技巧，喜歡用音質粗糙的樂器(比如一把破木吉他)，追求的一種帶著殘缺的粗糙質感。於是，對立的CHAMBER POP「室內流行音樂」開始興起，作為反制，CHAMBER MUSIC一詞來自古典音樂，即是「室內樂」的意思。集巴洛克式的華麗與流行樂的簡約於一身，強調優美旋律、精緻配樂、乾淨錄音。代表樂團有 THE DIVINE COMEDY、ERIC MATTHEWS及 BALLE & SEBASTIAN等，流暢加上悅耳的特色迅速征服流行樂壇，收買了大批樂迷的耳朵。

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FOLK「民歌」

反映時代的聲音

是西洋音樂詞典對Folk Song的標準定義是：「流傳久遠、作者不詳」的歌。指每個民族的傳統歌曲，那些自古代已有的歌曲，原來的作者們大部分都被統稱為「佚名」，他們的作品就在民間以口頭相傳，一傳十十傳百，一代傳一代傳至今。自從50年代美國流行界的民歌手，以木吉他為樂器，用自然無華的方式演唱，「民歌」一時蔚為風行。WOODY GUTHRIE在五十年代的唱片可說是最早的民歌唱片錄音，之後 PETE SEEGER、THE WEAVERS繼續推動。到了60年代越戰時期，反戰民歌手如：BOB DYLAN、JOAN BAEZ、PETER、PAUL AND MARY等，成為反映時代的聲音。

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其他音樂

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漫談Lounge Music

被台灣市場暱稱為「沙發音樂」的Lounge Music，其實是近年來電子樂發展出的一支特定音樂概念，在電子樂快速淘汰的特質下，Lounge Music似乎霸佔了市場更長的時間，拓展了各大的樂迷地盤，原因無非它擁有易為一般人接受的元素：慵懶、情調、迷幻，最重要的是它的無壓特質，帶給了現代都會人遁世的時尚感，不若drum’n bass或trance等諸多電音的激進、急切、重壓迫，Lounge Music彷彿已為電子樂開拓了一條平民大道。

現在有許多標榜Lounge Music的專輯，其實水準參差不齊，光從音色的取樣技巧、節拍層次的原創性聽來，好與壞便有許多差別，再加上Lounge Music與無壓聽覺形成同等定位後，許多具民謠風、新世紀風、世界音樂風的演唱、演奏也順勢歸入此類，似乎Lounge Music已擺脫原生父母—電音，產下自己優質再生的下一代，Lounge Music不再是電音專屬軌道，也不再是市場上強加時尚包裝的狹隘範疇，他成了無壓、幻想情境的新代名詞，更可說是電子樂激發出new age樂風多年後，新一代的情調攻勢。

Lounge Music能存活多久，這無人能定論，隨著電子科技的進步，電子樂的派別形式總在不斷變換淘汰著，往往三個月就出了新樣，Lounge Music似乎撐了久些，也許已立定腳步，正自我變形中，就像現在諸多標榜Chillout/Lounge的專輯，你我都在此都窺見了新一波的結合演化發生中！

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Chillout音樂(chill-out)

現在很流行一種音樂名詞叫做"chillout"音樂,也經常把它與"Lounge"音樂放在一起.

所謂"Chillout"music,從字義上看來就是可以用來降溫清涼,舒緩情緒的音樂.換句話說,有時候聽了許多熱門音樂,舞曲或是比較吵鬧的音樂之後,來點chillout的音樂舒緩一下,降降溫,讓心情輕鬆一下.

但是chillout 音樂的起源又是從何而來?大部分的說法是從西班牙外海的"Ibiza"伊比利島而來,而這個島這幾年已經被稱為歐洲的舞曲首都,很多的舞曲及新名詞都是從這裡而來.顧名思義就是跳舞累了,來一點chillout音樂如何?

現在很多音樂,不管是流行,New Age,或是爵士,都標榜著有chillout效果,若是平常工作累了,聽聽一下這些音樂,會讓您整個炎熱的夏天,突然變的清涼舒暢了.這就是chillout的意思.

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MAPL的Logo

MAPL的標誌是加拿大用於區分以及註明音樂的4個元素是否屬於加拿大.
1.M代表Music(音樂作曲是加拿大人)
2.A代表Artist(演奏家是加拿大人)
3.P代表Production或Performance(製作或表演在加拿大)
4.L代表Lyrics或是Label(歌詞的撰寫是加拿大人,或是廠牌屬於加拿大)

若在4塊區域上都是黑色的話,代表這張CD的四個元素-音樂作曲,演奏家,製作表演以及歌詞或是廠牌都屬於加拿大
若區塊上背景顏色是白色的,代表那個部分並非屬於加拿大.

給各位參考網址
http://ncra.ca/CRTC/MAPL.htm

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音樂治療

音樂可以治病？是的！

國外已有許多臨床數據可以證明，經常受到音樂薰陶，對增強神經系統，調節大腦皮質有益，可促使人體分泌有益健康的生化物質，加速腸胃蠕動，增強消化機能，還能讓血壓和心律維持正常。

當外界一定頻率的振動作用於人體後，有關部位即會產生共振現象，醫師和音樂治療師即利用音樂的節奏變化，針對不同病患，精挑不同節奏的樂曲。悲觀者可聽貝多芬第五交響曲《命運》、海頓的清唱劇《創世紀》，或柴可夫斯基第六號交響曲《悲愴》等。

若是心情沮喪或壓力過大，可聽艾爾加《威風凜凜》、布拉姆斯的《匈牙利舞曲》失眠患者可聽孟德爾頌的《仲夏夜之夢》、莫札特《搖籃曲》或德布西《鋼琴前奏曲》等。

憂鬱者可聽莫札特《第四十交響曲》、蓋希文《藍色狂想曲》組曲、德布西的管弦樂組曲《海》。高血壓患者聽到巴哈《小提琴協奏曲》，可使血壓下降十至十五毫米汞柱。

據研究，常聽莫札特的作品會讓人變聰明，容易專心：聽巴哈的曲子可增強分析能力：常聽爵士樂則會讓人具有較佳的創造力，增強數理能力。

雖然音樂治療這個處方可以自己來，但聽音樂的心情是否獲共鳴，也是療效的關鍵。

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室內樂淺釋

簡單而言，室內樂（Chamber Music）是在如房間大小的空間內表演的音樂。 因此這類的樂曲在編制上就絕對無法像管絃樂曲那般的龐大。大家如果去翻一 些音樂辭典，大概會得到如下的解釋：「每一樂器各擔一聲部的小型合奏...。」 其實這就是為了配合表演場地所需，作曲家才創作出這類型的樂曲。

室內樂曲所表現的重點在於一種合作關係。每樣樂器各負責一個聲部的意義就在於使各樂器的發揮均衡。因此以鋼琴伴奏的獨奏曲雖然在表現方式上似乎也在此範圍內，但是由於只偏重獨奏樂器的表現，所以另分他類而與室內樂有所區隔。

然而在此要請大家注意的是，為各樂器與鋼琴所寫的奏鳴曲（Sonata）【如小提 琴奏鳴曲...】應該要歸類於室內樂曲中。因為在此類奏鳴曲裏，鋼琴並非僅處於伴奏的地位，而與各樂器有一樣吃重的份量，表現上必須平均發揮，並且要注意彼此間的合作。所以往後大家在欣賞這類奏鳴曲時，便應以室內樂的角度欣賞之。

大家較熟悉的室內樂編制大概有：鋼琴三重奏（鋼琴、小提琴、大提琴）、絃樂四重奏 （小提琴 2、中提琴、大提琴）、木管五重奏（長笛、雙簧管、單簧管、法國號、 低音管）、銅管五重奏（小號 2、法國號、長號、低音號）...等。

基本上來說，音樂家在創作室內樂曲時，必定要考慮樂器的特性能否充分發揮，音色與其它樂器是否協調，以及高低音聲部的均衡與否。因此並非任何樂器的組合都會產生良好的音響效果。所以大家或許會發覺絃樂器只需四樣樂器便可將音色及聲部等問題充分解決，而管樂器可能就需要使用五樣樂器的組合才較為完備。至於與鋼琴合作的室內樂，則在協調中多了一份對抗性。除了上述的幾種組合之外，另外更有著各式各樣的室內樂型態，所產生的效果大不相同，更重要的是那絕非隨便湊在一起的。

在室內樂表演中，由於通常一個表演者負責一個聲部，而且各聲部的發揮相當均衡，因此表演者必須有著良好的技巧才足以勝任。同時，因為室內樂的表現要靠整體合作、搭配來完成，不是憑那一個人的表現好壞能決定。因此這需要長期培養，方能使 彼此間的想法一致，而表現得更有默契。所以大家將可以發覺由獨奏家臨時組成的室 內樂演出中，互相較勁的成份相當濃；而長時間固定合作的室內樂團演出則表現得融 洽許多。

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樂器

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樂器名稱

Cornet（英）小號、短號。

Double Bass（英）低音協奏　近代管弦樂中最大的弦樂器。

Double bassoon （英）倍低音管　是一種最低音的雙簧木管樂器。

Drum（英）鼓。

English horn （英）英國管。
一種雙簧木管樂器，其音域甚廣超過三個人發音程，氣質出眾。

Fiddle（英）提琴的俗名。

Flute（英）長笛　歷史久遠的吹奏樂器，長約二英尺。從中央C開始，可以吹出三個8度音程，下面的8度音色溫柔而憂鬱，中間的清澈而甘美，上面的尖銳而嘹亮。莫札特有兩首協奏曲，聖桑的「死亡舞」及柴可夫斯基的「胡桃鉗」為最佳例子。

French hom（英）法國號　這是一種唯一裝有漏斗形吹嘴的銅管樂器。音色溫和高雅。

Harp（英）豎琴。

Harpsichord（英）大鍵琴　為一種老式的鍵盤樂器。流行16至18世紀之間。

Horn（英）號角，通常指法國號而言

Oboe（意）雙簧管　一種直吹的木管樂器。此樂器相當合唱中之女高音。韓德爾．韋瓦爾第、莫札特…均有其協奏曲。

Recorder（英）直笛　長約八尺，短約一尺

Trumpet（英）小喇叭，海頓有一首小喇叭協奏曲。

Tuba（英）土巴號。

Viola（意）中提琴　大於小提琴七分之一。

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樂器名稱的中英文對照

爵士鼓(Rock Drums)

手搖鼓(Tambourine)

低音大鼓(Bass Drum)

響木(Wood Block)

電結他(Electric Guitar)

低音電結他(Bass Electric Guitar)

超高音牧童笛(Soprano Recorder)

高音牧童笛(Descant Recorder)

中音牧童笛(Treble Recorder)

中低音牧童笛(Tenor Recorder)

長笛(Flute)

口風琴(Melodeon)

鋼片琴(Celesta)

電鋼琴(Digital Piano)

三角鈴(Triangle)

馬鈴(Horse bell)

鈸(Cymbal)

◎敲擊樂器

大鼓(BassD Drum)

小鼓(SnareDrum)

鈸(Cymbal)

三角鐵(Triangle)

響板(Castanets)

定音鼓(Timpani)

木琴(Xylophone)

鐵琴(GIockenspiel)

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鋼琴的起源

在鋼琴出現之前，有一種鍵盤樂器叫做大鍵琴 (harpsichord)，音色聽起來比較清脆，很像吉他撥弦的聲音。大約在巴哈那個時代，還在用這種鍵盤樂器。後來出現了鋼琴的前身叫做古鋼琴 (fortepiano)，這種古鋼琴跟現代鋼琴比較不一樣的，是沒有現代鋼琴的這種可以表現長長的回音踏板設備，所以不容易演奏出悠揚持久的迴聲，聲音有點像大鍵琴，音色同樣很清脆，聲音持續時間短，不過比較像是彈出來的，而不是撥出來的。例如，海頓、莫札特那個年代應該是古鋼琴的時期，但是現代鋼琴可能已經出現，所以他們的鋼琴奏鳴曲 (piano sonata) 可能有實驗鋼琴這項新樂器的性質。

世界上第一架真正的鋼琴，是於1709年由克里斯多佛瑞(Bartolomeo Cristofori)製造於義大利翡冷翠，他當時稱這項傑作為「強弱自如的大鍵琴」(gravicembelo colpiano e forte)。因為這件樂器能根據彈奏者的施力大小，控制發聲音量，而以撥彈方式發聲的大鍵琴則無法做到這一點。

現代平台大鋼琴起源時間大約也在1800年，它以鐵鑄成張弦的框架，並將琴弦安排為兩層彼此重疊交叉，這種設計的目的除了節省空間，還能因為低音弦和高音弦彼此距離近而加強共鳴效果。現代鋼琴的琴弦，除了低音部分之外，其餘都是以二到三根琴弦為一組，發一個音。琴弦都以不銹鋼製成，低音弦外表更纏繞一層銅絲以增加響度。

現代鋼琴的音域比較寬廣，音色飽滿，不會太過於清脆而顯得單薄，聲音也能持續得比較長，由於音域寬廣，音色單純，不會像絃樂器產生許多共振的泛音，因此適合用來精確的定出想要的音準，但是也因為缺乏泛音，使得音色並不如絃樂器如此溫暖，豐富。

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低音長笛(alto flute)

低音長笛(alto flute)也是長笛(flute)的一種.事實上,還有比低音長笛(alto flute)音域更低的bass flute.只是基本上很少人會拿來當成主奏樂器.

由於低音長笛(alto flute)的音域並沒有一般長笛來的高,所以高音的部分也就沒有那麼刺耳,而低音的部分也比較雄厚穩重,感覺好像在深情低吟著,更讓人覺得詩情畫意.

演奏低音長笛的音樂家並不多,在New Age方面首推Tim Wheater最有名.他不僅能很隨性的即興演奏低音長笛,也將低音長笛那種思鄉情懷以及楚楚動人的音色發揮的淋漓盡致,增添低音長笛的神秘感.

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小提琴

小提琴(violin)的歷史：小提琴是最具代表性的擦弦樂器。全長約60公分，琴弓約長75公分(以馬尾製成的弓毛繫著木質的弓桿的兩端)。

其實最早期的擦弦樂器種類小提琴的存在可遠溯至西元1550年，十四世紀就出現了，西元1600年左右才成為有地位的樂器。但是當時的擦弦樂器種類構造及名稱繁多，因此有許多"弦"的不同處：弦數有3條的至7條的，及共鳴弦(加強聲響度)。而它的f字孔早期為半月狀，而且是置放於膝蓋上演奏的。一直到十六世紀才確立了現代所見到的小提琴外觀造型。

十八世紀初期，才開始流行把小提琴架在顎下演奏。

當時它第一次以標準型態在義大利的歌劇交響樂團裡演出。到了1626年，法王路易十三在宮中組織交響樂團，小提琴的地位因而再提高，自盧利以後，它的聲譽更為卓越。

義大利克雷摩那(Cremona)的安德烈.阿馬第(Andrea Amati)家族裡，其中以孫"尼古拉.阿馬第"(Nicola Amati)，阿馬第的改良使小提琴的音色更優美悅耳動聽，並且確立了古典優雅的外型，他把琴體表面做更加平滑有質感、共鳴箱也挖深，再增加弓弦的張力，最後修飾琴身的外飾樣貌。

而尼古拉.阿馬第的弟子"安東尼.史特拉底瓦利"(Antonio Stradivari)，則將製作小提琴的技藝，發展得淋漓盡致，他製作了七十年的提琴(約二千支)。其中一七○○年起的二十年間所做的提琴，當時被喻為名琴，此名琴更為為今日製作小提琴的標準依據，小提琴至此也成為完美的樂器，從此以後很少再有變動改良。

在早期，由於小提琴的絃毛太過粗糙，而且弓架撐得太鬆，所以音調顯得低弱呆板。在十八到十九世紀之間，因小提琴作曲家韋瓦第和塔替尼等人的發揚，因此小提琴製作技巧大有精進。

他們在協奏曲和奏鳴曲獨奏時要求飽和、清晰纖細而響亮，因此改用較細的絃毛，並且把弓絃撐張較緊，以便能讓演時能發揮得盡善盡美。其他的小改良則是琴體的內部結構和指板部份，以便承受改良後弦的撐張力。十八世紀末期弓絃也有顯著的改善，彈性較佳，長度寬度也都皆有所增加。

小提琴的尺寸可分為4分之4、4分之3、2分之1。而成人使用的為4分之4。

小提琴的發聲是靠弓上的弓毛在弦上輕輕摩擦使弦產生振動，弦的振動會透過琴橋傳至表板，然後通過表板下的魂柱傳入底層的裡板，此時小提琴的琴體內的空氣也隨著振動，進而產生整體的共鳴而發出聲音的。但是，若一開始弓毛上未抹上松香的話，即使摩擦小提琴上的弦也是無法發聲的喔！然後就靠演奏家們以演奏技巧的本領來達到柔美富有感情的音色囉。

電子小提琴則是把琴橋的振動轉換成電子振動傳入擴音器或耳機。所以電子小提琴是不需靠表板與裡板的共鳴發聲的。

小提琴上的弦從最細至最粗分別為E弦(1號線)、A弦(2號線)、D弦(3號線)、G弦(4號線)。琴橋及魂柱則佔有重要性，琴橋就是夾在兩側f字孔中間撐起4條弦的扁狀木片，由小提琴正面看下去，琴橋右角底下有一支"魂柱"在琴體內(從表面看不到)；琴橋左角底下則是"支撐桿力木"(從表面看不到)。

琴橋與魂柱須與琴體(表板、裡板)垂直90度，若有傾斜或表板與裡板有裂傷都會影響到音準及音色的品質！

小提琴的保養要注意嚴禁撞擊、注意濕度及過份乾燥空氣、必免溫度過高！外力的撞擊會使表板與裡板受傷；琴橋與魂柱掉落！潮濕會使弦生鏽或木質部份腐化！過份乾燥的空氣易使表板與裡板龜裂！溫度過高會使小提琴的骨膠溶化！因此要特別小心保養妮的小提琴。(其它小提琴屬的樂器還有中提琴、大提琴等...著名的古典小提琴家有：韋瓦第、帕格尼尼)

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長笛( Flute ) 的歷史與簡介

長笛是一種歷史悠久的木管樂器，長笛的前身可追溯至古埃及時代，它前身是一種十分簡陋僅有幾個音孔的陶管，而且陶管是垂直吹奏的。在中世紀時吹奏樂器的主流本來是以直笛(flauta dulce)為主。但是長笛的出現曾經取代過直笛的地位好長一段時期。

長笛在古代有好幾種型式。它是在十七世紀時被引入交響樂團中而活躍的，但是初期開始的時候地位並不大穩固。長笛分為木製與金屬製兩種。在國內大部分使用銅質或銀質的金屬製長笛，而英國與荷蘭則使用木製的長笛。長笛的長度約兩英尺長，早期的長笛是用植物的莖或木材製成的，其外型...從笛頭至笛尾逐漸漸小而成圓錐形。

後來長笛經過許多次改良，在十八世紀時長笛已有"音鍵"設計了，這個音鍵設計使長笛的音域更為廣泛而宏亮。當時由於普魯士的菲特烈二世國王(Federico II de Prusia)他非常喜愛長笛樂器， 因此經常親自演奏發揚長笛這項樂器。長笛早期在莫札特的時代裡只有六孔一鍵，一直到了1772年長笛的鍵數增加為四鍵。四鍵長笛後來曾經被廣泛的使用相當的一段時日。一直到了貝多芬時代，長笛的鍵數從五鍵再增加到七鍵、八鍵。後來，隨著鍵數的逐漸增加，也出現了各種不同系統的長笛。

我們現在使用的長笛是十八世紀前半的一鍵長橫笛所改良的。雖然這期間也曾經出現過修貝度拉系統那種複雜結構的樂器。不過，那種樂器到十九世紀時就被貝姆 (Theobald Boöhm 1794-1881)改良而消聲匿跡了。貝姆是一位德國長笛演奏家(兼：長笛作曲家and樂器製造家)，他對長笛做更進一步的深入研究與改造(1823)。不單只是長笛外型上的改良而已， 他也把長笛音孔的孔徑改良為較小孔，舊式長笛中...各音高都有它們原本的音量及獨特的音質，彼此之間的音律並沒有個完善的統一性。貝姆將這些缺點改良為能自由掌控音量，而且音量也較以往為宏亮 ，並且將其結構現代化，依照聲學計算來調整音孔位置，克服了演奏時技巧上的障礙。並於1848年成功的研製出了具有複雜附加按鍵的金屬製長笛。貝姆的這些偉大改良替日後的金屬長笛樂器之發展陳鋪一條先路出來。

長笛的音域非常廣泛，音域範圍多達三個八度音以上，低音域的音色圓潤而柔美，高音域則悅耳且動聽。現在的長笛雖然以金屬合金製成，儘管如此，由於傳統習慣和使用方式並沒有改變，所以長笛仍 歸類於"木管樂器"種類中。其實嚴格說起來，我們現在所用的長笛可以說都是貝姆型的改良長笛，因此稱之為"貝姆式長笛"。只不過結構上有小小部分的一點點不同而已，因此又分為德式與法式兩種。

長笛的發聲原理是管體中心穿孔貫穿，然後由吹口吹氣進入管內，再以不同指法按住其它音孔，就能發出各音高了，除了末端的排氣口之外，其餘沒指壓的音孔也可以排出吹進的氣體。而長笛這種樂器是不需藉助簧片來發聲的，因為它是由演奏者吹氣進入管腔內，然後使管腔內的"氣柱"振動來發出聲音的。

長笛家族分為G調"中音長笛" (G ALTO FLUTES)、與比C調長笛低八度的"低音長笛"(BASS FLUTES)，及比C調長笛高八度的"短笛" (PICCOLOS)。而C 調長笛則是主旋演奏時使用最廣泛的標準長笛了。

保養長笛時常要加一點"鍵用油"，鍵墊有漏氣的話就必需換過再上新油。長笛使用之後一定要確實擦拭 ，不僅是外部擦拭要確實，管內的保養亦不容忽視喔！怎麼擦才確實呢?去問您們當過兵的把拔或葛格是怎麼通槍管的就知道了。長笛有專用的紗布，將它捲在清潔棒上然後旋轉擦拭，管內不能染塵、不能留半滴水份。但是長笛管內設計複雜，所以要輕輕的小心擦拭喔！不要把墊子內部及彈簧弄壞了！

長笛的製造材料大至可分為以下幾種.....
初級品的"黃銅"材料與木材管身金屬鍵體的"木質"，這兩種目前已經甚少使用了。取而代之的是最常見的同樣是初級品的"白銅"長笛材料與中高級材料的"銀合金"。而頂極的材料則是9K、14K...等的"K金"材質製成的長笛。最後還有一種就是銅製的吹口管；銀製的吹口板、或銀製的管體銅製的音孔鍵或金管銀鍵...等等的"混合型"了。呼...沒嚕...=.="(有名的長笛作曲家有斐高累西(Pergolesi)、莫札特、海頓(Haydn)、韋瓦第 (Vivaldi)、塔替尼(Tartini)....等人。)

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木笛(直笛)-1

木笛、直笛，其實指的是同一種樂器，只不過直笛一般是指塑膠製的三節組合式的而已。木笛(直笛)的名稱並沒有一個統稱，它在世界各地有都有其當地稱法。比較常見的有英文稱法的「Recorder」(如鳥鳴般的笛)或英文稱法的「Fipple flute」(木頭塞子的笛子)；法文稱法的「Flauto dolce」(具柔美聲音的笛子)或法文稱法的「Flute a bec」(鳥嘴笛)；德文稱法的「Block flauto」(木頭塞子的笛子)或德文稱法的「Schnabel flote」(鳥嘴笛)；義大利文稱為「flauto diritto」(直拿的笛子)或義大利文的「flauto dolce」(音色柔美的笛子)；日文稱法為「Tatefue」(直笛)...等等數種稱呼。

木笛的發展最初發跡於何時並不容易查證，但是在各地方民族的歷史或當代原始的部落中均有蹤跡，從動物的角、骨或植物的木頭、竹子...等等，皆可做為古老木笛的製作材料。目前從一些基督教的文獻中所查到的最早的資料為法國十一世紀時，法國十一世紀時的繪畫中己有直笛吹奏的圖樣出現，而十二世紀時英國也有使用直笛歷史記載。在一些古老的教會壁畫或雕刻中也可見到吹奏木笛的圖樣。

早期直笛的前身即發展過程大約可分為→民族樂器→嘉樂貝笛(Galoubet)→法拉久列特笛(Flageolet)。

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木笛(直笛)-2

民族樂器是一種只能吹奏單音的笛子，除了外型及製作材料不一樣之外，構造原理大致是一樣的。

嘉樂貝笛(Galoubet)是十至十四世紀左右中世紀吟遊詩人(Minstrel)專用的的直笛，除了用來伴奏也常吹奏主旋律。
法拉久列特笛(Flageolet)是 十六世紀左右流行於英法的六孔笛(前四後二)，音色優美。

目前所知最古老的一隻木笛是在十五世紀中，荷蘭的一間石屋中被發現的。

到了十六世紀時，木笛(直笛)已經很興盛普及化了，當時的木管樂器製造中心叫威尼斯。而此時正是文藝復興時期，文藝復興運動是掀起於西元1450年至1600年間的 歐洲大陸並以義大利為中心，所以才稱此時期的直笛叫做“文藝復興笛”(RenaissanceRecorder)。當時由於教會盛行，因此很多藝術品都以宗教背景為主題。而教會裡的合唱演出為了增強音樂的旋律及豐富性 因而加入了管風琴和高音直笛。這時的直笛笛身呈圓柱形，而且笛身也還沒分做三段而是一體成形的結構，它的管內內徑較寬，低音豐圓柔潤，高音則容易變調較難吹奏。當時的皇宮中與民間也流行著部份的歌謠及舞曲，高音直笛常被用來和其它樂器同時吹奏旋律聲部。(文藝復興笛的音域只有一又二分之一個八度)

到了十七世紀後半期轉入巴洛克時期(Barogue)，巴洛克時期是區洲藝術發展的重要轉淚點。在此時木管樂器製造的革新也移轉至法國。 因為當時的人們剛從教會中跳脫建立出新的風格，所以對樂器的改良及音樂的要求均非常求。直笛在此時由原來的圓柱形笛身改為線條優美的圓錐體，外觀亦有精緻的雕琢，並且把之前文藝復興時期那一體成形的構造也改為巴洛克時期的三節分段相接組合式。除了在笛身外觀上精製雕琢之外...最重要的改良是管體的內徑的改良，內徑的改良使得直笛的音色、音域、力度表現上都有所提昇(巴洛克笛的音域有二又二分之一個八度)，而且半音還可自如吹奏，又能調整基礎音高，所以可以和其它樂器合奏，特別是與弦樂器合奏。這種三節分段式的改良笛叫“巴洛克笛”(Baroque Recorder)；而改良前笛身一體成形的直笛叫“文藝復興笛”(Renaissance Recorder)。

在巴洛克時期， 當時坊間業餘演奏者最普及的演奏樂器為中音木笛。當時倫敦的紳士們都會隨身攜帶著一把木笛演奏一些乞丐歌劇中的流行曲調，或合奏一些通俗的二重奏樂曲。在法國鄉間的牧羊人也常以木笛或法國風笛演奏鄉村舞曲。

一直到了十八世紀已是木笛樂器的巔峰全盛時期，巴哈、韓德爾、泰雷曼...等作曲家為木笛譜寫了非常多的曲子，例如：巴哈的布蘭登堡協奏曲第二、四號；韓德爾的四首木笛奏鳴曲；泰雷曼的a小調組曲、短笛奏鳴曲...等等。

巴哈雖為木笛做了相當多的作品，也為長笛作了很多的奏鳴曲，但從未寫過木笛的奏鳴曲。
巴洛克後半時期，音樂演奏風格漸漸轉變，強調強弱音的細微 變化單音與樂句間強弱音的突強與突弱。由於木笛絕難做到這樣的技巧，加上直笛由於音量不夠宏亮。而且木笛的田園風格並不適合當時的華麗曲風，最後在古典管絃樂團及其後所介入的浪漫時期全編制的銅管、打擊樂器 的管絃樂團之競爭下而被比了下去。

到了十八世紀中葉以後，木笛的地位就被音色宏亮、音域更廣的巴洛克長笛給取代而告消聲匿跡了。於是木笛成為博物館裡所收藏的珍品樂器了，直到一百五十年後十九世紀末時，因為當時的一些音樂學者對巴哈、韓德爾之前被忽視的音樂作品感到興趣，才掀起了音樂復古風。到了本世紀(二十世紀初)，受到英國杜梅許家族(Dolmetsch)大力提倡的影響木笛樂器才被解凍得以重見天日。

Arnold Dolmetsch本身是一位小提琴家，他對早期的古典音樂非常感興趣，所以他重新製作古樂器，當然也包括木笛的重製。他及他的兒子Carl Dolmetsch以博物館內的木笛為參考樣品，重新製作出新的巴洛克式木笛。另外如日本的Yamaha、Aulos及德國的Moeck...等等，個人工作室或大型企業也都大量生產木笛及塑膠製的直笛，加上直笛在兒童音樂基礎教育的多種優越功能，卡爾奧福(Carl Orff)在兒童音樂教育中予以推廣，同時直笛也得到現代許多作曲家的認同，賦予直笛新生命，這才使的木笛再度盛行，普及化。

但是，西元1930年時，有一為叫哈倫(P.Har Lan)的德國製造家，他以英國人所製的英式直笛為藍本再行仿製直笛(德式直笛)。但是他所仿製的德式直笛...把右手的食指與中指的音孔上下挖反了！有一種說法是說這樣的設計是為了簡單化直笛的指法而故意挖反的，但是卻得到反效果，因為此種仿製直笛的音程準確性及音色都較差，而且對於叉式指法所需要的微妙平衡造成了困擾，更無法完善表現#F調。因此目前大都提倡或建議一開始就選購正統的英式直笛。

※(英式直笛)與(德式直笛)※

1.選購直笛時應特別注意笛子背面有英文字母，※德式直笛的代號為(G)。
這種因為ㄈㄚ的音運指較容易，所以對於初學的學生較不困難，但是！德式直笛吹奏時音程的準確較難掌握。(聽說音色也較不美)所以近來普遍推廣英式的正統直笛的巴洛克運指。

2.選購直笛時應特別注意笛子背面有英文字母，※英式直笛的代號為(B)或(E)。
這是正統的巴洛克式直笛(英式)。在選購時最好選英式的。

直笛的種類(直笛家族)：
１、小超高音笛（Klein Sopranino）：C 調，長約 16 cm
２、超高音笛(Sopranino)：F 調，長約 24 cm
３、高音笛(Soprano；Descant)：C 調，長約 32 cm
４、中音笛(Alto)：F 調，長約 47 cm
５、次中音笛(Tenor)：C 調，長約 64 cm
６、低音笛(Bass)：F 調，長約 96 cm
７、大低音笛(Great Bass)：C 調，長約 126 cm
８、倍低音笛(Double Bass；Contra Bass)：F（或G）調，長約 200 cm

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Viola dagamba古大提琴

大提琴的祖先，是一種被稱為 "Viola dagamba" (即古大提琴)的樂器，這，種古老的樂器共有六條弦，又稱為「腿上提琴」。「大提琴」的原為"Violoncello" ，是指大型的提琴之意，今天"Cello"，它的體積大概有小提琴兩倍，琴弓短而重，琴弦則成比中提琴低八度音。

由於是大型樂器，所以不像小提琴、中提琴一樣夾在肩上，而是著地靠在左肩上演奏，也因為體積的關係，橋(Bridge)的弧度較大且弦與弦間的距離較遠，右手無法像小提琴那樣快速地移動到其它的音。但左手就可以不必用拇指支住樂器，必要時，可使用包括拇指在內的所有指頭來按弦，因此能產生一般小提琴和中提琴所發不出來的效果。

大提琴擁有廣潤的音域，能奏出比中提琴更低沈的聲音也可以發出非常光輝優美的高音，它不似小提琴的輕快，但音質卻柔和優美，正好擔任管弦樂中低沈的音域。

在十八世紀初期之後，幾乎每個作曲家都把大提琴列入演出目錄裡，如巴哈的大提琴獨奏組曲，以及海頓、德弗乍克等人的協奏曲，這些音樂家把大提琴的技巧提升到更高的境界。在弦樂器中，除了小提琴外，大提琴是擔任獨奏最多的樂器。

在弦樂團中，大提琴的位置在指揮的右側，由於演奏的姿勢特殊，不難辨認出來。

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什麼是鋼琴三重奏？

這是室內樂中的一種組合型態。廣義來說，只要任何三樣樂器的組合， 其中包含鋼琴在內，便可冠上「鋼琴三重奏」此一名稱。

然而由於各樂 器的特性不一，所發出之音響效果大不相同，並非隨便將樂器搭配在一起就可產生悅耳的聲音。大家最常見到的就是由小提琴及大提琴加上鋼 琴所組成的型態，因此一般所說的鋼琴三重奏，只要未註明是由那些樂 器所組成，指的就是<鋼琴、小提琴及大提琴>此一組合。

鋼琴是「樂器之王」，雖然大家經常可以看到或聽到鋼琴為其它樂器伴奏，但是如果再加上一樣樂器，而且要使三樣樂器的發揮平衡，就不是那麼容易了。因此不管那一種型態的鋼琴三重奏，似乎由另二樣樂器聯合來對抗鋼琴的情勢在所難免，然而音樂本身的和諧卻又不能因此而破壞。如此大家應該可以了解到此型態在表演上的難度所在，同時也不難理解為何小提琴及大提琴與鋼琴的搭配要比其它編制來得合適些。

音樂家柴高夫斯基就因為鋼琴三重奏的這種特性而表示不願為此編制譜 曲，但是他終究還是作了一首。至於其他的作曲家似乎都沒有這種障礙 ，因此從古典時期的海頓、莫差爾特及貝多芬以降，有眾多音樂家為此 編制寫下不朽的傑作，樂曲數目之多在室內樂作品中僅次於絃樂四重奏曲。

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其他

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Gramophone（留聲機）音樂雜誌

◎緣起

留聲機音樂雜誌的創始人是一位資深的愛樂紳士 Compton Mackenzie先生，當留聲機開始改變一般人的生活型態時，他亦買了一部由風神有聲公司（Aeolian Vocalion）製造的留聲機。但Mackenzie卻發現，市面上的唱片竟是如此繁多，而且又不知道每張唱片的音樂內容，僅有廣告資訊的介紹又不夠詳盡與公正，更遑論有任何的相關評論出現，往往要買回去才知道其演奏詮釋的表現如何云云。（當時的唱片是不能試聽的）

於是，Mackenzie開始走訪當時英國的所有的唱片公司，並拿到了他們的發行目錄，在詳閱其中的發行唱片條目後，結果發現，在這些繁多種類的唱片中，真正該收藏的唱片其實並不多。就在此時，「美日電訊報（Daily Telegraph）」邀請Mackenzie先生將這些心得寫下來與讀者分享，Mackenzie就開始將其對這些唱片的心得寫下，發表在其上，成為了最早的唱片評論。

◎1923年正式發行

於是在1923年時，Mackenzie開始想到發行唱片評論雜誌的可能性，雖然在當時唱片是屬於上流社會階層才能擁有的娛樂（因為當時一張唱片很貴），可是還是會有許多人有跟Mackenzie當初一樣「不知從何買起」的困擾，於是在該年四月，「Gramophone雜誌創刊號」終於誕生了，「Gramophone雜誌」的創刊號共發行了六千本，後來經過調整後，將定期發行量定為五千本左右。

到了今日，Gramophone雜誌每期銷售都有十萬本以上的發行量，目前的總編輯是James Jolly先生，由安東尼擔任發行人，安東尼其弟克里斯朵夫（Christopher Pollard）擔任編輯指導。這本擁有七十多年歷史的「老」雜誌堪稱是古典音樂唱片銷售市場上的一樣指標，其所累積下來的評論文字、唱片數量，其作者群的雄厚實力，顯示出多年歷史奠基下的雄厚評論力道。同樣地，讀者在Gramophone雜誌的推介中，也能夠從其各篇的文字當中，明白清楚的了解在所謂「百家爭鳴」的唱片出版品中的優劣品質。

◎評鑑的地位

Gramophone雜誌在其七十多年的悠久歷史中，其帶領出來的評論水準，與讀者群所引導出來的聆賞水平，有深切的相關。尤其是其作者群不乏對音樂演奏、理論、作曲、音樂史等學術地位上，具有相當厚實水準者，也因此使得Gramophone雜誌在其唱片批評地位，具有龍頭的引導地位。雖然Gramophone雜誌有時會對英國本身作曲家曲目有較高的熱愛及推崇。

一般來說，Gramophone雜誌的評論較為本位主義，其所堅持的原則多半是在於音樂的抽象性當中，指揮或演奏的詮釋，也多半以能夠嚴格地審視樂曲中的主要架構者為佳，但此多半是文化自尊心所為。Gramophone雜誌每年一度的「Gramophone唱片大獎」，更是其雜誌中最為人所看重的項目。此獎項自1977年開始頒發年度最佳唱片以來，獎項細分為數種不同的類別，各家新唱片錄音發行，也以獲得該獎項為榮。也顯示出「Gramophone唱片大獎」，是一個現代十足且不失嚴謹的評選獎項。

◎「Gramophone（留聲機）雜誌」的企鵝評鑑(Penguin Guide)

企鵝評鑑以星號作為分級標準，1至3顆星分別代表唱片演奏-一般(Fair)、好(Good)、傑出(Outstanding)三個等級，而若評論員認為在三星級唱片版本中有特別出色的演奏，會於特定版本之三顆星之外冠上一朵花，這就是「企鵝評鑑三星帶花」。企鵝唱片指南各版次中所評論的上萬張唱片中，曾被三星帶花最佳推薦的版本不過寥寥七、八百張之數，可說是同類唱片中的上上之選，具有極高的收藏價值。